Blogo, logo existo.

Notas sobre David Lynch.

2008-02-04T18:26:00.000-02:00

Há muito tempo a criatividade de David Lynch deixou de ser um ponto cego no que diz respeito ao cinema contemporâneo. David Lynch é um inovador, mas não apenas mais um inovador por entre tantos outros. A marca que Lynch está imprimindo no conceito de cinema ainda não pode ser lida por completo, não possuímos a habilidade necessária para decodificá-los, como um alfabeto ainda desconhecido, não dominado, pertencente de uma cultura estrangeira, em suma: de outro mundo. O que podemos fazer é ressaltar alguns elementos fundamentais sempre presentes na sua obra:

O apogeu do simulacro: Nada é o que parece. O fenômeno quase nunca corresponde à sua causa imediata. A representação e a atuação são as marcas distintivas próprias dos personagens, encarcerados em subjetividades múltiplas e fugidias. Não há essências imutáveis, a natureza parece não existir para ditar suas leis e a consciência é a única realidade perdida na confusão de um sono em que a cada novo despertar adormece ainda mais profundamente.

Identidades Líquidas: O grande problema enfrentado constantemente por Lynch é trabalhar a identidade de seus personagens. Nunca se sabe exatamente quem se é. A questão aqui não é a identidade do outro, que na maioria das vezes aparece como fechada e estanque, mas a identidade do si-mesmo, o “mim” é indefinível e avesso a qualquer tipo de identificação. Para Lynch a proposição A=A nem sempre é verdadeira, a identidade não é uma regra para a subjetividade, pois ela não segue a lógica, não tem leis claras fazendo da descoberta de si sempre um ato traumático.

Realidade x ilusão: Não há fronteiras entre realidade e ilusão. Elas se misturam numa simbiose profunda e íntima constituindo na gama de experiência possível uma complexidade em si mesma factual. É o fato, em si mesmo, realidade. Ele se constitui de fantasia, ilusão, sonho. O real é ele sim a maior falsidade, não por que não existe, não, ele existe, mas porque é inapreensível. Não há vocabulário, palavra que preencha a realidade de significação. Nunca se pode conceber a realidade, num dado sentido, humanamente, a realidade não tem existência, ou o que ela é não faz diferença ou importância, mas o fato, o ‘acontecimento’, a impressão que marca o sujeito, que é verdadeiramente o que se pode dizer sobre o mundo, ou, como se faz ordinariamente, o que se pode chamar de ‘realidade’, com todas as aspas necessárias.

Variados são os filmes de Lynch que ilustram essas notas, Inland Empire (2006), Mulholland Dr (2001), Lost Highway (1997). No entanto, à título de ilustração, selecionei outra espécie de trabalho de Lynch, propagandas. A primeira é o making of de uma perfumaria francesa, a segunda do vídeo game Playstation e a terceira do Nissan Micra:

1º Gucci by Gucci, making of :

Notemos a dinâmica. O produto, o objeto que deve ser elevado como objeto de desejo pela propaganda só aparece no final. A escolha de mostrar a encenação por trás das câmeras, e não o trabalho final se deve ao fato de podermos olhar a questão em seu método. Lynch, com a câmera em sua próprias mãos, usa e abusa de luz e sombra, da disposição do espaço e da habilidade das duas modelos que fazem suas performances isoladamente com uma trilha ultra pós-moderna. Com imagens sobrepostas as modelos se fundem tornando-se dois lados de uma mesma mulher (lembrando em alguns aspectos Mullholand Dr), com este passo concluído, o produto aparece como o elo perdido de um encontro consigo mesmo. Veja o resultado final:

2º Propaganda Playstation II:

Não é com jogos emocionantes de velocidade, de guerra ou esportes radicais para atrair o consumidor. Lynch não apela para o game, verdadeiro objeto da campanha publicitária, mas apela para a intenção final do produto: tornar acessível ao usuário a experiência com um outro 'mundo', um outro espaço de significação, a possibilidade de uma fuga para uma outra concepção de natureza, leis e regras, outra formas de determinação, onde o passivo (cervo) torna-se ativo (Pick-up), o culpado inocente, o real ilusão e a ilusão o real, pois lugares diferentes, regras diferentes.

3º Propaganda do Nissan Micra:

No caso do comercial do Micra, ao contrário do que geralmente se entende por um comercial de carros, onde sempre se mostra um estilo de vida através de um papel performático de um consumidor ideal, Lynch se esforça por querer passar uma imagem de um veículo despojado de qualquer ideal de consumidor. Vemos sombras de pessoas a sair de becos, mais adiante, uma mulher, notemos que sem feição, desprovida de identidade, e o que comunica é uma voz artificial de uma boca digitalizada, impessoal. Talvez impessoal seja a característica nuclear que Lynch parece querer passar. Nissan Micra não é um carro para um tipo ideal de consumidor, não se encaixa em nenhum estereótipo. Lynch vai contra o sentido ordinário das propagandas que tentam seduzir o consumidor através da sedução produzida por um ideal, por uma forma de gozo determinado. Mas como, para Lynch, A nem sempre é igual a A, mostrar um carro desprovido de um dono ideal pode seduzir mais, uma vez que as pessoas já se acostumaram a se frustrar com os ideais que outrora almejaram. David Lynch joga com a verdade transvestida de mentira.

Notorious. Dir. Alfred Hitchcock. 1946.

2008-02-03T22:04:00.000-02:00

Sempre se pode pegar num filme de Alfred Hitchcock um atalho para Lacan. Interlúdio, tradução de Notorious para o público brasileiro, não deixa a desejar neste quesito. A genialidade de Hitchcock se faz mostrar na complexidade dramática de situações simples e pífias. A paixão só floresce quando não é mirada, mas, quando se vê como objeto de segunda mão, desinteressado e substituível.

Alicia (Ingrid Bergman) é filha de um condenado espião nazista que se suicidou na prisão. Sentindo-se deprimida ao observar o destino do pai, ela se entrega ao álcool e a relacionamentos promíscuos. Por outro lado, Devlin (Cary Grant) é um agente americano e recebe como missão convencer Alicia a ajudar o governo como uma espiã se infiltrando num núcleo nazista no Rio de Janeiro. A missão não é difícil, pois o que ela tem que fazer é apenas se aproximar de Sebastian, um alemão suspeito de espionagem, antigo amigo de seu pai, que já esteve, outrora, apaixonado por ela. O difícil é assumir a paixão inesperada por Devlin.

Alicia, podendo negar a missão, pois ela nada devia ao governo americano, resolve acatar a proposta de Devlin acreditando que só assim o terá por perto. Devlin se vê diante de uma paixão, mas em nome de seu cargo, e ao sucesso da missão, deve negar seu amor por Alicia. Paremos por um instante para observar tal fenômeno: ao negar para si mesmo sua paixão por Alicia, em nome de sua ocupação ética, Devlin está ocultamente dizendo: “Amo-te e em nome deste amor nego-te, pois não há sofrimento maior pelo qual posso demonstrar a realidade deste sentimento”. Ao negar seu amor, Devlin o está afirmando de forma incisiva. Alícia não pode compreender isso e a ausência de Devlin a faz cumprir seu dever como prova de seu amor.

Notemos que para o sucesso amoroso, o amor, em si mesmo, não pôde ser objeto direto do ânimo de nenhum protagonista. O amor é aquele objeto que só é alçado quando seguimos uma tragetória oblíqua, dissimulada, aquele querer que não quer, aquele olhar que não olha, aquele toque que não encosta. Hitchcock mostra que o herói, objeto da paixão feminina, só é como tal quando cumpre seu papel de herói, seu papel performático na esfera social e pública, em detrimento da amada.

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4 Luni, 3 Saptamini Si 2 Zile. Dir. Cristian Mungiu. 2007.

2008-01-28T19:46:00.000-02:00

Apenas da metade do filme em diante que o título 4 meses, 3 semanas e 2 dias, começa a fazer sentido. Não dá para prosseguir honestamente este comentário sem revelar o fundamental da trama. Então, prefiro fazer comentários superficiais. Como a maioria dos filmes produzidos no leste europeu é mostrado um país falido, decadente e em ruínas. É 1987 e a Romênia está passando pelos seus últimos anos de comunismo. Neste período é impossível ter acesso aos bens de consumo básicos pelas vias legais. Anticoncepcionais e cigarros são oferecidos apenas no mercado negro.

Gabita (Laura Vasiliu) e Otilia (Anamaria Marinca) dividem um quarto numa república estudantil financiada pelo governo aos universitários. Otilia topa ajudar sua amiga Gabita a cometer um ato que marcará para sempre a vida de ambas. Cristian Mungiu consegue mostrar com maestria a angústia, o medo e a frieza dos personagens. O filme não deixa de ter um toque moralista, pois aborda uma questão não apenas alvo das mais severas investidas religiosas, como também uma questão ética muito discutida em nosso tempo. Aliás, o filme está repleto de encruzilhadas éticas. Como moeda do ato criminoso que as duas se vêem constrangidas a cumprir elas devem se prostituir produzindo uma das cenas mas angustiantes do cinema.

Cristian Mungiu consegue mostrar pessoas reais por trás de seus personagens. O silêncio faz calar a dor e o medo. A angústia vem com sua presença fria tirar as protagonistas da solidão. Todo sentimento é sufocado mostrando uma força nos personagens que o espectador não sabe de onde vem. Trata-se de um filme seco. Um drama que não faz chorar.

Site oficial

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El Passado. Dir Hector Babenco. 2007.

2007-12-28T13:55:00.001-02:00

“A separação também pode ser parte de uma história de amor”. Este é o slogan comercial do filme O Passado do diretor Hector Babenco baseado no livro de mesmo nome do escritor argentino Alan Pauls. O passado é um filme intrigante e por isso alvo de numerosas críticas, a maioria negativa, advinda de variadas direções. De fato, Não se trata de um filme fácil. São numerosos os elementos que contribuem para a complexidade da trama e aquela sensação quando se saí do cinema, quase que unânime, de que há alguma coisa não resolvida. É exatamente a partir desta sensação que pretendo começar.

Rímini (Gael García Bernal) é um homem que foge dos estereótipos cinematográficos das grandes produções. Ele não é apenas fraco e dependente, mas possui uma fragilidade de infantil peculiaridade. Jovem tradutor bem sucedido é casado há doze anos com sua primeira namorada, Sofia (Analía Couceyro). Por outro lado, Sofia guarda por Rímini um afeto quase que materno. É importante levar luz ao fato de que, embora estejam casados há doze anos, o casal não possui filhos. A separação é um fato e surge no filme instantaneamente no momento em que o filme surge ao expectador. Não se explica porque há a separação, mas ela aparece como um fato sintomático de insustentabilidade das tensões de um casamento que ultrapassa uma década.

Uma vez, dada a necessidade dos protagonistas viverem por si, terem que retomar suas vidas independentemente um do outro, eles vão se revelando lentamente e uma 'casca' caí ao chão após a outra. É importante notar alguns aspectos do desenvolvimento da vida, posterior à separação, de cada um dos personagens. Rímini se vicia em drogas e se envolve, respectivamente, com uma modelo narcisista e doentia de ciúmes (que é atropelada fatalmente após ver Sofia beijando Rímini à força), e, com uma companheira de trabalho com a qual se casa e tem um filho. Neste ponto podemos lembrar a semelhança com alguns filmes de Alfred Hitchcock em que o protagonista se apaixona pelos traços da amante e sempre recria em mulheres diferentes o mesmo movimento intencional que lhe dirige a elas. Rímini manifesta sua dependência da atual esposa quando se vê com uma amnésia que o impede de trabalhar e fazer suas traduções. Sofia, por sua vez, diz se envolver com homens apenas por sexo, pois a imagem de Rímini ainda ronda seu presente. A sensação de que há sempre algo não resolvido está na conclusão, que outrora os protagonista acreditaram levar a cabo, que sempre se torna uma questão em aberto a cada novo momento.

A razão de tantas críticas ao filme está num engano. O Passado não é um filme com pretensão de ser romântico. Ele é realista. Rímini não é um homem que agrada aos homens, pois está fora do ideal masculino. Muito menos Sofia, alguns a acharão desequilibrada e doentia, outros real em demasia. O Passado é um filme que mostra, sobretudo, que o passado não existe como um lugar, com um endereço situado. O passado é simultâneo ao presente, reconstruído a cada instante sempre na atualidade, no aqui e no agora, fazendo o próprio presente ser também passado. A questão fundamental é que na vida tanto de Rímini como de Sofia o passado não perde a sua atualidade, ele é revivido no presente pedindo sempre nova atualização, embora, a todo instante fracassada.

Veja o trailer:

Inland Empire. Dir. David Lynch. 2006

2007-12-15T09:30:00.000-02:00

'Eu não sou quem você pensa!' Diz o esposo enquanto tenta estrangular sua mulher. Império dos sonhos de David Lynch está repleto de pontos de exclamação que vibram na mente do espectador. Um filme inteiramente gravado numa câmera digital Sony PD-150, tem a vantagem de possibilitar toda a flexibilidade que Lynch precisa para tornar o conjunto tempo/espaço da trama descontínuos, fragmentados, ao ponto da personagem principal dizer atônita: “Eu não sei o que veio antes ou depois. Não consigo distinguir o ontem do amanhã e isso está fodendo com a minha cabeça.”

A história é, em si mesma, pífia, banal e, teoricamente, sem grandes mistérios. O que torna o filme original é sua composição, como não poderia ser diferente quando se trata de David Lynch. Nikki Grace (Laura Dern) é uma atriz em baixa no mundo de Hollywood, mas vê a oportunidade de redenção de sua carreira quando é convidada para protagonizar um filme. No set de gravação entra em contato com um típico galã hollywoodiano com quem dividirá as cenas, o ator Kingsley Stewart (Jeremy Irons). O que ambos não sabiam é que o filme que almejam contracenar é um remake. Apartir desta descoberta dos protagonistas o filme começa tomar rumos espaço-temporais sinuosos. O fato do filme ser baseado numa lenda cigana e dos protagonistas da versão original terem sido assassinados de forma misteriosa assombra a fantasia dos nossos personagens. A ficção se funde com a realidade e se inicia o sonho. Não há controle do tempo, o ontem e o amanhã se tornam um misto confuso e indiscernível, o espaço é constituído por ambientes decadentes, periferias, moteis, casas suburbanas, e neste rodamoinho também o telespectador se torna refém de uma realidade que foge de si mesma, de um sonho que teima em não se concluir, de uma fantasia que beira ao caos.

A busca pela identidade, por um fundamento subjetivo, é inutil. a grande questão é que nunca se sabe bem quem se é. E pior, nunca se sabe quem é o outro. Não há lugar que reflita segurança nem tempo que soe o presente. É tudo líquido. Para Lynch, uma câmera desfocada mostra mais do que imagens nítidas e bem definidas. O indefinido é o modo próprio da substancialidade da trama. Se não se sabe quem se é, não se sabe, igualmente, até onde se pode ir ou o que se pode fazer.

Trailler

La Vida Secreta de las Palabras. Dir. Isabel Coixet. 2005.

2007-07-17T11:31:00.000-03:00

Acidentes. Tanto aquilo que dá motivo atual ao filme como aquilo que dá profundidade aos seus personagens são acidentes. Até aí nada pode nos surpreender, uma vez que fatos acidentais promovem a dinâmica da vida e nos libertam da rotina. No filme A Vida Secreta das Palavras da diretora Isabel Coixet (Minha Vida Sem Mim, 2003) percebemos esta rotina de forma gritante na vida de Hanna (Sarah Polley) que há anos não falta nem se quer um dia ao seu trabalho, conservando os mesmos horários e até o mesmo cardápio sempre (Arroz, frango e maçã).

Um incidente numa plataforma de petróleo trata de unir a personagem Hanna com o enfermo Josef (Tim Robbins), que sofreu sérias queimaduras numa explosão. Orientada por seu patrão à tirar férias, Hanna vai para um pequeno povoado costeiro onde tem a ocasião de trabalhar como enfermeira por conta dos acontecimentos. Acometido por uma cegueira temporária, Josef aos poucos descobre a personalidade da introvertida Hanna, que se esconde atrás de seu próprio silêncio.

Devemos chamar atenção para alguns pontos do filme. A revelação da personagem Hanna é lenta e gradual, sua vida é marcada pela solidão e pelo mecanicismo rotineiro de seu trabalho numa linha de produção. Já com 30 anos, sua deficiência auditiva dá pistas de seu passado reprimido que se revela ao espectador ao mesmo tempo que para Josef, que se encanta a cada dia com a mulher que se revela para ele quase que num jogo. Josef, sem poder enxergar, só pode ter como referência de Hanna o inglês carregado de sotaque, seus movimentos delicados e suas palavras minuciosamente escolhidas. Josef percebe que há algo de muito errado com Hanna, mas não sabe como suas atitudes podem realmente ajudá-la. O roteiro do filme é genial, não permitindo que informação alguma sobre o passado de Hanna seja revelado antes dos momentos mais oportunos, mas só depois deste momento, quando nenhum mistério existe entre eles, será possível que tanto Hanna como Josef possam depositar confiança recíproca.

Trailer:

O Labirinto do Cubo

2007-07-02T10:54:00.000-03:00

Após uma maratona de filmes na casa do Heraldo, onde assistimos o filme italiano Ladrão de bicicletas, seguido de Lars Von Trier, Dançando no Escuro, e a trágica comédia brasileira Durval Discos, pensamos que poderíamos fazer com nossas próprias mãos um filme. Esse video corresponde a primeira discussão sobre essa idéia.

Estavam presentes, além de mim, A historiadora Ana Emília; o cientista da computação André Lima; o estudante de rádio e TV e dono do ap, Heraldo; o estudante de multimeios, Vitor; e; por fim, a estudante de enfermagem Camila Negrão.
Espero que o projeto dê certo!

Veja o albúm de fotos desta maratona aqui.

Things You Can Tell Just by Looking at Her. Dir. Rodrigo García. 2000.

2007-06-07T13:45:00.000-03:00

“Coisas Você Pode Dizer Só De Olhar Para Ela” é um filme intrigante. Disposto em cinco curtas que tratam da vida de cinco mulheres, que ao acaso, tem suas vidas, de uma forma ou de outra, influenciada entre si de uma maneira marcante e definitiva. O filme é um belo painel sobre a solidão feminina e a grande sacada de Rodrigo García está em mostrar cada personagem se fundindo dentro de um único gênero.

Seja a história da Dra. Elaine Keener (Glenn Close), ansiosa e angustiada à espera um telefonema que nunca acontece; seja a história da gerente de banco Rebecca (Holly Hunter) que aparentemente parece não trocar sua independência por nada, mas não se contenta em ser apenas uma amante que se descobre grávida e perdida; seja a história de Carol (Cameron Diaz) uma jovem atraente cega que se pergunta da razão de nenhum homem querer algo sério com ela; entre outras, todos esses fragmentos, são ricos de pequenos detalhes, o mais notável são as expressões faciais, os closes de câmera e a excelente atuação das atrizes.

Numa das cenas mais belas e significativas do filme, a cartomante Christine Taylor (Calista Flockhart) lê o destino da Dra. Elaine e seu discurso envolve o que a doutora é, o que ela pensa ser, o que ela finge ser, como ela é boa em fingir, o que ela espera, o que vai acontecer e o que ela sente. O surpreendente é que talvez esse diagnóstico particular de Elaine feito pela cartomante é aplicado à todas as outras mulheres que compõem o filme, até mesmo às personagens periféricas, como a sem teto Nancy (Penelope Allen) ou a namorada (Valeria Golino) da própria Christine que se encontra em fase terminal.

O filme lembra na sua intenção “The Hours”, embora este seja mais fragmentado. É bom considerar também os cinco títulos dos contos: "This is Dr. Keener", "Fantasies about Rebecca", "Love Waits For Kathy", "Goodnight Lilly, Goodnight Christine", "Someone For Rose", todos se completam e mostram uma unidade genérica composta por cada uma das personagens. Sutilezas femininas e emoções entaladas na garganta não faltam nesse filme.

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La Tigre e la Neve. Dir. Roberto Benigni. 2005.

2007-06-05T13:06:00.000-03:00

Não poderia um filme sobre um poeta começar de outra forma a não ser por meio de um sonho, e não é um sonho qualquer, mas o sonho que o une à mulher de sua vida. Sonho este que Attilio di Giovanni (Roberto Benigni) atualiza todas as noites onde quer que ele repouse. A cena é fabulosa, além da arquitetura do ambiente, Tom Waits se responsabiliza pela canção. Attilio di Giovanni sonha se casar com Vittoria (Nicoletta Braschi), que aparenta, na realidade, não ter qualquer interesse nele. No entanto, no sonho ela sempre o surpreende e não obstante os contratempos típicos de “sonho sem pé nem cabeça”, como o celular que toca ou o guarda que interfere por conta do carro mal estacionado, a cena não perde seu teor romântico, mas ao contrário, ganha uma fragrância lúdica própria de Benigni.

Attilio di Giovanni está longe de ser um daqueles tipos já bem conhecidos do cinema, aqueles figurões, como por exemplo, o “homem marlboro”, o “homem martini”, o “homem marcedes, bereta”, e por aí a fora. Attilio é um poeta por necessidade, ou melhor, por natureza. Explicando para suas filhas por que era poeta ele diz que precisava comunicar aos outros aquilo que ele sentia, da forma como sentia, dar o devido valor para aquelas coisas que tem esse valor. Talvez aqui possamos encontrar uma pista da razão pela qual um filme usa uma guerra tão recente apenas como um pano de fundo para uma comédia. Não é tratada durante toda a narrativa a questão do absurdo de um conflito armado ou a legitimidade de uma invasão política e econômica. Pelo contrário, Benigni quer deixar muito evidente que não é esse o objeto focal de suas câmeras, coisa que fica muito clara em uma cena em que Attilio e seu amigo Fuad (Jean Reno) contemplam a lua e o céu numa linda noite em Bagdá enquanto na periferia da imagem notamos dezenas de bombas sendo lançadas ao ar.

Informado que Vittoria foi ferida em Bagdá, Attilio imediatamente viaja para o oriente para cuidar dela. Inconsciente, Vittoria, numa cama de um hospital semi-destruído, não possui todos os medicamentos necessários para sobreviver e Attilio, mesmo sendo desesperançado pelo médico, atravessa Bagdá para com um último esforço salvar a vida de sua amada, que nem saberá quem a salvou. Os elementos românticos do filme não tiram sua originalidade e sempre se abre um espaço amplo para criar surpresas no espectador.

Veja o Trailer:

Code Inconnu. Dir. Michael Haneke. 2000.

2007-05-29T11:17:00.000-03:00

Quando conhecemos o potencial de um grande diretor vamos ao cinema esperando sua superação própria e aumentamos nosso rigor em formular juízos. “Código Desconhecido” é um filme que mostra toda a qualidade do diretor alemão Michael Haneke, que conhecemos outrora pelo filme “La Pianiste” (2001).

O roteiro apresenta uma fragmentação substancial, no entanto, o filme não fica confuso por conta disso; coisa muito difícil de ocorrer com filmes multiplots. A composição da narrativa tem três eixos, três contos que acontecem em simultâneo e encontram uma “esquina parisiense” onde os três focos narrativos convergem. O primeiro conto é composto por Anne Laurent, brilhantemente interpretada por Juliette Binoche, seu namorado (Thierry Neuvic), um fotógrafo de guerra, seu sogro e Jean, seu genro; o segundo por Maria (Luminita Gheorghiu), uma imigrante romena sem teto que pede esmolas nas esquinas; e finalmente, o terceiro conto é composto por Amadou (Ona Lu Yenke), filho de um professor de surdos-mudos e de descendência africana.

Haneke optou que o ponto narrativo de convergência entre as três narrativas fosse abrupto e violento, surgido ao acaso. Enquanto Maria, sentada numa esquina, pede esmolas, o jovem Jean (Alexandre Hamidi), mostra todo o seu desprezo amassando um pedaço de papel e jogando sobre ela. A reação de Maria é a mesma que ela tem ao perceber que o Sol, assim como ontem, nasceu hoje, como se receber papeis amassados fosse algo habitual. Em sentido oposto entra em cena o jovem negro Amadou que agarra Jean pelo pescoço e o obriga a pedir desculpas. A cena é tensa e se finaliza com a polícia levando Amadou para a delegacia. No decorrer do filme os três contos voltam a se desenvolver de forma independente, mas o espectador pode perceber nitidamente as seqüelas de uma sociedade sectária fundada no preconceito.

A composição dos personagens é outro ponto que salta aos olhos nesse filme. A mais complexa é Anne Laurent, uma jovem atriz que busca uma colocação respeitável no circuito da fama. Ela atravessa sérias crises profissionais e amorosas. Em uma cena, após brigar com o namorado no supermercado, ela diz ter feito um aborto enquanto ele viajava, coisa que nem o namorado nem o espectador poderá saber se realmente é verdade. Enfim, encontramos personagens que comungam essencialmente nas incertezas com relação à suas próprias vidas. Embora sejam histórias paralelas e seus personagens sejam independentes uns dos outros, eles encontram pelo caminho um “código desconhecido” que lhes une num instante de suas vidas e deixam marcas inconscientes.

Veja o Trailer:

Caros leitores,

2007-04-25T09:24:00.000-03:00

Quero pedir desculpas pelo meu desaparecimento. Isso se deve a três fatores:

Falta de tempo devido as minhas atividades acadêmicas e pessoais.
Impossibilidade de comparecer em cinemas.
Crise de criatividade.

Mas tudo isso é apenas um momento. Pretendo em breve voltar!

Saudações

Paradise Now. Dir. Hany Abu-Assad. 2005.

2007-04-04T00:52:00.000-03:00

Flags Of Our Fathers. Dir. Clint Eastwood. 2006

2007-02-21T14:20:00.000-02:00

"Flags Of Our Fathers” é um filme que trabalha a distância entre aqueles que estão dentro da guerra e aqueles que a acompanham através dos noticiários. Uma foto tirada ao acaso durante a conquista Norte-Americana da ilha japonesa de Iwo Jima se transforma em símbolo de vitória e sucesso da empresa bélica americana. Os integrantes da célebre foto são erguidos pelo governo e pela mídia americana ao pedestal de heróis nacionais, mas para eles, não há nada de heróico em “escapar de alguns tiros e ver todo o absurdo de uma batalha”.

O diretor Clint Eastwood não tem receio em mostrar que a foto em questão não tem valor histórico algum, mas foi apenas uma troca de bandeira numa zona do conflito de pouca importância tirada por um soldado qualquer ao acaso. Na realidade, muitos daqueles que figuram na foto morreram instantes depois da foto ser tirada. No entanto, era importante ao governo americano que os “heróis da foto” estivessem vivos para trabalharem nas campanhas publicitárias pedindo a compra de ações para financiar a guerra, através da comoção com os que morreram e do estabelecimento do orgulho nacional. De uma forma nada honrosa o governo americano mendiga doações para tapar o rombo nos cofres públicos diante de uma população já cansada da Guerra.

“Flags Of Our Fathers” faz parte de um gigantesco projeto cinematográfico que se completa com o filme “Letters from Iwo Jima”, que Eastwood dirigiu e gravou simultaneamente, mas este último baseado no ponto de vista nipônico do conflito. Diante de um ponto de vista total deste projeto podemos perceber claramente que sob um mesmo momento histórico, uma mesma batalha, se desenrolam histórias muito distintas do ponto de vista daquilo que é considerado a própria honra. Num filme, do lado japonês, vemos o que acontece nos túneis da montanha, no outro, do lado americano, vemos aqueles que sobem a montanha.

Se de um lado acompanhamos o investimento norte americano de ganhar a guerra através da propaganda. Do outro vemos japoneses em defesa do futuro de suas famílias e cultura. Quando as câmeras focalizam apenas o front de batalha fica impossível reconhecer um inimigo, distinguir quem é bom de quem é mau, mas apenas pessoas que lutam cegamente por uma razão que não é a delas.

Bom, finalizando, penso que os dois filmes podem existir separados, e embora formem um paralelo perfeito, uma espécie de negativo um do outro, são suficientes em si mesmos. Mas aconselho a ver os dois, e talvez na ordem que eu vi: Primeiro “Letters From Iwo Jima” e depois “Flags Of Our Fathers”. Mas com certeza absoluta “Letters From Iwo Jima” é um filme muito melhor, embora tenha sido feito por Eastwood um pouco no improviso e na sombra do primeiro.

Veja o Trailer:

Letters From Iwo Jima. Dir. Clint Eastwood. 2006.

2007-02-20T15:37:00.000-02:00

Existem muitos filmes sobre guerras e batalhas históricas no cinema, mas poucos são realmente bons. “Letters From Iwo Jima” entra nesse seleto grupo. É no mínimo muito curioso que um diretor hollywoodiano, Clint Eastwood, faça num mesmo ano dois filmes sobre um mesmo fato histórico: A Segunda Grande Guerra. O primeiro filme é “A Conquista da Honra” (Flags of Our Fathers - 2006) – Ainda não tive oportunidade de assistir. A diferença entre os dois é o ponto de vista durante a guerra. O primeiro, “Flags of Our Fathers”, aborda a Guerra do ponto de vista americano, enquanto o segundo, “Letters From Iwo Jima”, sustenta o ponto de vista japonês do conflito. É interessante saber que os dois filmes foram rodados simultaneamente pelo mesmo diretor, com o cuidado que nenhum integrante de um elenco apareça nos dois filmes acidentalmente.

“Letters From Iwo Jima” é uma adaptação baseada num livro escrito por James Bradley sobre o dramático conflito de 40 dias na ilha japonesa considerada pelo Império japonês o último reduto de resistência no pacífico. A conquista da ilha de Iwo Jima garantiria aos Estados Unidos a rendição de seu adversário. O drama consiste em mostrar a situação precária, mas corajosa, do exército imperial japonês. Tadamichi Kuribayashi (Ken Watanabe) é um respeitado estrategista japonês incumbido de gerenciar o exército imperial para o conflito. Conhecendo o poderio tecnológico do inimigo, pois já estudou nos Estados Unidos, Kuribayashi direciona reformas estratégicas de defesa e supervisiona a construção de túneis nas montanhas que serviriam para desorientar os americanos que chegassem à ilha. Kuribayashi conhece a superioridade do exército inimigo e deve lidar com a escassez de munição, comida e água, além de um exército composto por integrantes despreparados e que por muitas vezes parecem não saber o que estão fazendo na ilha.

É interessante notar que apesar da consciência de todo o exército imperial japonês de que sobreviver era um sonho impossível, eles lutam até o último instante. As cartas que os combatentes da ilha escreveram para suas famílias, como forma de expressão nas noites de solidão bélica, dão voz e espírito aos soldados japoneses mortos na batalha.

Veja o Trailer:

Little Children. Dir. Todd Field. 2006.

2007-02-16T17:06:00.000-02:00

Um filme feito para incomodar , como todos produzidos pelo diretor Todd Field (Entre Quatro Paredes, 2001). Intenda-se isso na melhor acepção da palavra “incômodo”. Nós brasileiros tivemos a infelicidade de conhecer “Little Children” com o título de “Pecados Íntimos”, o que faz com que certas pessoas de pensamentos ortodoxos sintam uma natural repulsa em ver o filme. “Pecados Íntimos” é um título que faz sentido, no entanto, perde muito da significação que o título original traz, porque afinal, a grande sacada do filme é mostrar que as verdadeiras crianças não são aquelas que brincam na piscina pública, que balançam no playground ou vão à escola, mas aquelas que estão aprisionadas dentro dos adultos.

Longe do convencional formato dos tradicionais filmes americanos, “Little Children” lembra um pouco pela sua narrativa o filme “Beleza Americana” e seu conteúdo crítico nos remete ao filme “Closer”. É importante ressaltar estas semelhanças porque elas não são gratuitas. Elas fazem parte de um processo pelo qual o cinema contemporâneo está passando com significativas mudanças de paradigmas de forma e conteúdo que, particularmente, acho muito instigantes.

Um narrador onisciente diz o que passa nas profundezas da consciência de cada personagem, e com um tom bastante irônico faz críticas aos costumes e a hipocrisia da sociedade norte-americana. Uma pacata e arborizada cidade do interior recebe de volta um aliciador de menores liberto após cumprir legalmente sua pena, a cidade toda fica alerta com qualquer movimentação suspeita deste indivíduo. O filme retrata de forma bastante pontual a relação entre jovens pais e filhos, carrinhos de bebê, horário de lanche, diversão e escola. É tudo como se houvessem duas histórias paralelas, a das crianças, e a dos adultos e suas infantilidades. Sarah(Kate Winslet) é uma mãe jovem casada com Richard (Gregg Edelman),um viciado em pornografia na internet, e mãe da geniosa Lucy de três anos de idade. Cansada e frustrada com sua vida nada excitante, Sarah sente-se antiquada no contato com as outras mães que levam seus filhos para o playground, pois vê que não tem muitas qualidades como uma boa dona de casa deveria ter. Sarah sentindo-se atraída por Brad Adamson (Patrick Wilson), um jovem pai que mente para sua esposa quando diz que vai à biblioteca, vê um novo horizonte para sua vida. O que une o casal numa relação extra-conjugal é mais um apetite de mudança e transgressão da norma, pois ambos vêem incompatibilidade em seus papéis, do que apenas um desejo sexual.

A figura do adulto e a do infantil se confunde durante toda a trama. A cena, na minha opinião mais significativa, foi quando Sarah chora no colo de sua pequena filha pedindo desculpas após pegá-la para fugir com Brad. O diretor Todd Field intenta mostrar em seu filme de maneira bastante nítida o despreparo de uma geração em assumir responsabilidades inerentes a uma vida adulta, além de nos tocar viceralmente num ponto essencial para reflexão: Até que ponto um ser humano tem o direto de castrar seus impulsos?

“Little Children” não é um filme sobre crianças, ou melhor, é um filme sobre crianças muito peculiares que têm uma idade já nada infantil. Ainda digo mais, e isso digo por mim, parece inútil o homem tentar lutar contra seus desejos, pois é isso o que ele é em essência: Desejo. Este filme esclarece muito isso. Quanto mais o homem abandona o sentir em função do entender, mais longe de entender algo ele fica.

Veja o Trailer:

Lilja 4-ever. Dir. Lukas Moodysson. 2002.

2007-02-13T09:12:00.000-02:00

Um filme do suéco Lukas Moodysson. Essa afirmação já dispensa muitos comentários. O mesmo diretor do instigante filme “Fucking Åmål” (1998), coloca nas telas mais uma vez um filme em que a adolescência e a sexualidade são os focos. Enquanto assistia ao filme pensei algo muito instantâneo: Se existe um cara que entende de mulher... Com certeza é Moodyson. Não me assustei tanto com o dogmatismo de meu pensamento, porque este fato é muito palpável para qualquer um que veja o filme, mas pela instantaneidade com que isso foi pensado por mim. Qualquer comentário que eu possa fazer não fica aos pés da representatividade deste filme.

A história é muito simples, mas o enfoque é realisticamente chocante e surpreendentemente emocionante. Em algum lugar da antiga União Soviética vive Lilya (Oksana Akinshina), uma menina de 16 anos de idade que foi abandonada pela mãe que foi aos Estados Unidos para viver com o namorado. Sozinha e num ambiente nada sugestivo para uma adolescente, Lilya conhece Volodya (Artyom Bogucharsky), um garoto bem mais novo do que ela por quem ela cria um forte laço de amizade, carinho e respeito. No entanto, a miséria do local onde Lilya mora e a falta de oportunidade profissional impulsionam ela para entrar na prostituição. Envolvida em seu meio de subsistência, Lilya conhece um jovem que aparentemente pode lhe propiciar uma nova vida. Este jovem estrangeiro de forma aparentemente desinteressada começa a seduzir Lilya inserindo sonhos em sua mente de vida melhor e trabalho na Suécia. Imbuída por esse desejo e completamente cega pela paixão Lilya aceita as ofertas de seu namorado. Ao chegar na Suécia é presa por um homem e obrigada a trabalhar como escrava sexual.

Bastante pesado e triste, este drama traz elementos muito visíveis para reflexão. Uma história que se repete centenas de vezes, basta olhar nos jornais. Embora não podemos ter certeza do que aconteceu com a mãe de Lilya, podemos imaginar que seu destino não deve ter sido mais feliz. Lilya mostra coragem para determinar-se a uma mudança de vida e se vê num momento seguinte frustrada com a mentira de quem amou. Tudo isso de forma muito real, sem romantismos desnecessários.

Moodysson não cai no clichê de apenas mostrar a imigração de pessoas do leste europeu em busca de uma nova vida. Trata-se de um filme bastante particular que mostra a vida de uma adolescente particular, num ambiente particular com seus problemas particulares. Se Lilya percebe que ali onde mora não pode ser feliz, pois está na miséria, abandonada pela família e pelos amigos, ela imagina que fora dali está a solução de seus problemas, mas infelizmente descobre que seus problemas podem estar em qualquer parte. Negando a fé e a esperança em entidades abstratas Moodysson retrata um drama que é em vários momentos repulsivo, mas marcante e emocionante. "Para Sempre Lilya" é um filme paradigmático, com uma história bem contada e muito bem fimada. Nunca vi aplaudirem um filme no cinema, mas nessa seção foi diferente, pois até eu pude aplaudi-lo.

Veja o Trailer:

The Ice Storm. Dir. Ang Lee. 1998.

2007-02-11T14:30:00.000-02:00

Mudanças de pensamento e comportamento na vida privada de pessoas comuns. Na realidade é sempre muito problemático afirmar que haja algo de comum na vida de uma pessoa qualquer. Baseado no livro homônimo de Rick Moody, o filme “Tempestade de gelo” dirigido por Ang Lee tem o intuito de focalizar e identificar diferenças específicas na constituição de cada personalidade no interior da busca por alguma forma de padronização e enquadramento numa eventual normalidade.

Os acontecimentos têm como localização histórica a década de 70 acompanhada da onda liberalista crescente nos Estados Unidos. A família Hood enfrenta uma série de crises, a começar por Ben Hood (Kevin Kline) que enfrenta problemas de relacionamento com sua esposa, Elena Hood (Joan Allen), e tem um relacionamento constante com sua vizinha e amiga íntima da família, Janey Carver (Sigourney Weaver). Elena tenta dar pouca importância à infidelidade do marido se focando em outras prioridades, tais como o filho que vai para a faculdade, ou os próprios afazeres do lar.

Sem contar o “jogo” dos adultos, temos, por outro lado, a pré-adolescente Wendy (Christina Ricci), filha de Ben e Elena, que submersa em carências afetivas e na confusão da descoberta de sua sexualidade se lança num “jogo” de sedução com os irmãos Mikey Carver (Elijah Wood) e Sandy Carver (Adam Hann-Byrd), filhos de Janey. Mikey é um jovem intelectual apaixonado por matemática e ciência. Sandy, o irmão mais novo, passa a maior parte do seu tempo explodindo seus brinquedos no jardim. O irmão mais velho de Wendy, Paul (Tobey Maguire) se vê apaixonado por uma garota da faculdade que se mostra profundamente crítica e instigante, no entanto sente-se iludido ao perceber que ela tem hábitos nada convencionais.

É magistral a forma como Ang Lee conduz os personagens à luz no decorrer da trama. Uma luz que nunca é suficiente para iluminar toda a profundidade dos personagens, mas que apenas serve para mostrar que são complexos e insuficientes em si mesmos. Numa noite de forte tempestade os adultos vão para uma festa onde são levados a participarem do “jogo das chaves”. A única regra do jogo é que os homens coloquem a chave de seus veículos num vaso e as mulheres retiram uma a uma, o homem que tem sua chave retirada por uma dada mulher deve ir para o carro com ela. Paralelamente uma catástrofe acontece durante a tempestade. Esta é uma noite significativa para a família Wood que terá muitas coisas a que aprender.

Little Miss Sunshine. Dir. Jonathan Dayton. 2006.

2007-02-10T21:13:00.000-02:00

Uma Kombi amarela e uma família muito longe da normalidade. Está certo que nenhuma família é normal... Mas os Hoovers “não dão para o cheiro”. O pai da família Hoover, Richard (Greg Kinnear), é um palestrante motivacional que descobriu os nove passos para alcançar a felicidade e o sucesso. Perfeccionista ao extremo, sua meta é vender seu programa de auto-ajuda para ganhar estabilidade financeira. A mãe, Sheryl (Toni Collette), guarda a sete chaves seu vício pelo tabaco. Frank (Steve Carell) é o tio, um acadêmico frustrado especialista no escritor francês Marcel Proust. Enfrentando problemas de correspondência amorosa num relacionamento gay, Frank tenta se matar e é encaminhado pelos médicos a ir morar com a família Hoover. O avô (Alan Arkin), um velho expulso do asilo por causa do consumo de heroína. Os Hoovers se completam com as crianças e seus sonhos improváveis. O primeiro é Dwayne (Paul Dano), um adolescente que fez voto de silêncio com a finalidade de entrar na força aérea. “Devoto” leitor de Nietzsche, sente ódio de sua família por ver a “fraqueza” e loucura de cada um de seus membros. Para finalizar temos Olive (Abigail Breslin), uma menina determinada a ser miss sunshine, mas que não abre mão de um sorvete.

A comédia começa por trazer à tela figuras muito originais, mas numa composição que ressalta uma certa desconexão, uma desarmonia, no entanto, são movidas por um único objetivo: realizar o desejo de Olive em participar do concurso de beleza “Little miss sunshine”. Com dificuldades econômicas, os Hoovers se lançam à estrada numa Kombi amarela enferrujada para cruzar grande parte dos Estados Unidos, do estado do Novo México até a Califórnia. O filme é composto por aquilo que chamamos de humor negro. A viajem dura três dias e todas as tragédias que ocorrem no caminho nos mata de rir, não por aquilo que elas são em si mesma, mas pelas novas situações em que cada figura da família se vê a cada instante.

As manias e os desajustes de cada integrante da família Hoover parecem ser muito pequenos quando se unem na realização do sonho de Olive. Eles se deparam com uma nova experiência, a da união. É bastante nítida a mudança de cada personagem no decorrer do filme, quando eles aprendem que o vencedor é aquele que não desiste de competir. Se a personagem Olive não foi Miss Sunshine, ainda há grande possibilidade de sua atriz, Abigail Breslin, receber um Oscar nesse ano. Ela foi impecável!

Site oficial do Filme

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Noitão HSBC - Vidas sem rumo.

2007-02-10T15:18:00.000-02:00

Dez horas intensas dentro de um cinema. Tudo começou às 21:30h com "Pequena miss sunshine" que assisti com amigos. Logo após resolvi ficar para o Noitão HSBC com a pré-estréia do filme australiano "Candy" (2006). Em seguida uma surpresa, um dos mais belos filmes que já assisiti de um dos meus diretores favoritos, Lukas Moodysson, chamado "Lilja 4 - ever" (2002), e por fim, uma obra prima do conceituado diretor Ang Lee, "The ice storm" (1997). Saí do cinema com o nascer do Sol, às 06:30h da manhã... preciso dormir e neste Domingo preparo os quatro posts...

Stranger Than Fiction. Dir. Marc Foster. 2006

2007-02-05T11:52:00.000-02:00

Harold Crick (Will Ferrell) é um homem sistemático. Sua vida é toda calculada... Seu tempo, seus passos, suas palavras, suas ações... Seu comportamento metódico lhe permite portar-se como espectador de sua própria vida. Auditor da receita federal, Harold Crick percebe numa manhã de quarta-feira uma voz que narra seu momento presente como se ele fosse personagem de um livro de ficção. O que num primeiro momento pode parecer que se trata de uma comédia fraca e com elementos surreais baratos, se revela no decorrer da narrativa um filme com elementos dramáticos relevantes para reflexão.

Saindo completamente da receita das comédias que mensalmente invadem os cinemas, o diretor Marc Forster aposta numa comédia muito original e indiscutivelmente inteligente. A vida metódica e previsível de Crick começa a mudar no momento em que seu relógio inexplicavelmente pára e ele é informado das horas por um estranho na rua para acertar seu relógio, mas o que Crick não esperava é que o horário informado está três minutos atrasado. Quando a voz oculta presume sua morte Harold Crick se desespera. Procurando ajuda de uma psicóloga é desacreditado de que seja possível que ele faça parte de uma narrativa e seu diagnóstico é esquizofrenia. Consciente de que este não é o seu problema Crick procura na faculdade um professor de Teoria Literária, Jules Hilbert (Dustin Hoffman) que decide ajudá-lo a identificar o tipo de história que ele está vivendo e qual o momento exato de sua morte previsto pela narradora.

Crick ciente de seu fim inevitável e natural decide viver a vida. Não conta mais seus passos, não é mais controlado pelo relógio e procura fazer atividades fora de seu hábito, deste modo consegue encontrar espaço em sua vida para uma paixão. A sistematização seguida por Crick na sua vida tornava-o autômato e com um destino fixo e inevitável. Sacar isso foi o grande progresso de Crick que pode a tempo dar mais tempo a si mesmo.

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Babel. Dir. Alejandro Iñárritu. 2006.

2007-02-03T15:40:00.000-02:00

Um filme pós-moderno. Babel, filme dirigido pelo mexicano Alejandro González Iñárritu mostra de uma forma bastante original as conseqüências imanentes da globalização. Três histórias distintas, três fragmentos narrativos que compõem um drama em que uma arma de fogo é o ponto de convergência.

A primeira ponta da pirâmide está no Marrocos onde dois adolescentes camponeses recebem de seu pai um Rifle para matar chacais e proteger seu rebanho de cabras. Tomados pelo súbito de testar a nova aquisição da família os jovens pastores testam a potência da arma tomando por alvos os carros que passam na estrada. Atirando num ônibus de turismo eles atingem Susan (Cate Blanchett) casada com Richard (Brad Pitt) que ao ver sua esposa gravemente ferida faz o ônibus mudar seu rumo e parar num povoado até que uma condução os levem a um hospital.

Na segunda ponta da pirâmide está a mexicana Amélia (Adriana Barraza) que amavelmente cuida das crianças do casal. Imigrante ilegal que mora há dezesseis anos nos Estados Unidos da América. Amélia pretende cruzar a fronteira para ir num casamento da família, no entanto, sem alternativa quanto a deixar as crianças sob outros cuidados nos Estados Unidos, decide levá-las. Na volta as coisas se complicam na fronteira e ela e as duas crianças ficam perdidas no deserto após uma perigosa fuga.

A terceira ponta da pirâmide, e a mais distante, conhecemos Chieko (Rinko Kikuchi), uma jovem adolescente japonesa que perdeu a mãe num suicídio e parece rumar para o mesmo caminho. Surda e muda se lança numa saga para transar pela primeira vez. Seu pai Yasujiro (Kôji Yakusho), um homem permanentemente ocupado com seu trabalho, foi quem levou o Rifle para o Marrocos numa viajem de turismo e deu como presente de agradecimento ao seu guia marroquino de caçadas.

É marcante a forma como são retratadas neste filme diferentes manifestações culturais. Podemos focar em numerosas características que Iñárritu coloca em cena para marcar aquilo que há de conflituoso nas culturas, tal como a impaciência dos turistas europeus ocupantes do ônibus atingido por um tiro e indispostos a continuar numa cidadezinha perdida no Marrocos, a comemoração nupcial mexicana e o espírito desconfiado das crianças americanas, a suspeita dos policiais na fronteira americana e o medo dos imigrantes, a difícil socialização de uma adolescente com deficiência auditiva numa sociedade marcada em sua essência pela comunicação, o adolescente marroquino que se masturba vendo a irmã se exibindo nua, a atitude de Susan em tomar Coca-Cola quente por desconfiança da proveniência do gelo e etc... Detalhes que passam despercebidos, mas que marcam uma sociedade fundada em pré-conceitos.

Veja o trailer:

Copying Beethoven. Dir. Agnieszka Holland. 2006.

2007-02-02T12:06:00.000-02:00

Há tempos não me arrepiava no cinema. Acho que a última vez foi no ano passado enquanto assistia Crianças Invisíveis. A emoção provocado pelo filme O Segredo de Beethoven se deve tão somente a trilha sonora que comove e sensibiliza. A nona sinfonia é o ápice de todo o filme, e talvez também da vida desse gênio da música erudita. No fim de sua execução Beethoven (Ed Harris), praticamente surdo, é incapaz de ouvir o delírio do público sem antes ser tocado por sua aprendiz para virar-se e contemplar sua glória.

O roteiro e as interpretações não são a grande chamada do filme, são na verdade um tanto fracas. Exceto Diane Kruger que interpreta a aprendiz e copista de Beethoven Anna Holtz. Ela tem um convívio problemático com seu mestre que já vem enfrentando problemas de surdez e se comporta de forma arrogante e irascível. No entanto ele percebe o talento da jovem e estima por ela um carinho especial. Na noite do concerto de estréia da nona sinfonia Bethoven precisa dela para auxiliá-lo na contagem dos compassos e nas mudanças de movimentos da composição.

Li um crítico de cinema perguntar: O que Mozart tem que Beethoven ainda não tem? Resposta: Um bom filme. Bom... essa colocação só me deixou curioso para assistir Amadeus, uma cinebiografia, pelo que dizem, perfeita de Mozart.

Assista o Trailer:

Closer. Dir. Mike Nichols. 2004.

2007-01-16T00:49:00.000-02:00

Hello, stranger. – Assim começa o filme.

Uma fotógrafa, um jornalista, uma striper e um médico. Figuras já bem conhecidas das telas dos cinemas encontram sua originalidade na composição dessa obra tão singular. Closer, filme do diretor alemão Mike Nichols tem como objeto fundamental as relações humanas, suas formas, suas ambigüidades e contradições. Closer é um filme sobre o amor, todavia não pretende retratar o amor na sua áurea divina e redentora. A pretensão é investigar esse sentimento no seu modo mais inocente, ingênuo e humano: o amor como uma tragédia.

“If you believe in love at first sight... You never stop looking.” Uma chama fumegante, eis a condição humana. O filme mostra a esperança e o medo de mãos dadas do início ao fim, tal como irmãs gêmeas separadas no nascimento. Um nada as separa e evidencia sua oposição simétrica na oscilação das paixões. O sentimento é antes de tudo uma escolha, escolhe-se o sentir medo, ou o sentir esperança e é quando a esperança é escolhida que o amor ganha toda a sua potência, sua “vestimenta de desejo”, necessidade e perfeição. É a esperança que dá sentido a busca, a procura que não cessa, que condiciona o incondicionado, que dá sentido a pretensa intenção de alimentar a carência, de fundamentar o sujeito, preencher o nada.

“Love is an accident... Waiting for happen.” Nada mais casual do que a forma como Dan (Jude Law) e Alice (Natalie Portman) se conhecem no início da trama. “Hello stranger”, enunciado por Alice, marca o primeiro diálogo dos dois personagens que posteriormente serão tomados por um desejo inexplicável de um pelo outro. Todavia, como qualquer objeto de natureza acidental, o amor não foge a sua frágil circunstancialidade, e aquela necessidade que outrora tinha a aparência de ser essencial, como toda paixão, logo se desvela como um simples acessório, um mero objeto de ostentação e vaidade, algo dispensável, mas útil ao orgulho. Anna (Julia Roberts) e Larry (Clive Owen) também tem um encontro acidental que culmina num casamento cego e contaminado pela falsidade. “Intimacy is a lie... We tell ourselves. O filme de Mike Nichols mostra numa óptica bastante nítida que as pessoas são como icebergs em que só podemos ter o conhecimento mínimo daquilo que está sobre o mar, mas a profundeza, aquilo que há de sólido no ser se mantém oculto até mesmo ao próprio sujeito.

Selecionei uma cena bastante significativa ao conjunto da obra e que se fecha perfeitamente como que sendo um curta metragem, tal é a força de sua unidade. Podemos observar nessa cena um Dan que experimenta uma incompletude, talvez advinda do previsível fracasso de sua obra literária, “O aquário”; vemos também a fraqueza emocional de uma Anna, a fotógrafa divorciada, e num segundo momento, uma Alice, a striper e a personagem mais aberta e sincera do filme fazendo um jogo aparentemente limpo com os dois:

“Truth is a game... You play to win.” Não há nada mais rendido às paixões do que um homem dentro de um jogo. A intenção não é outra além da vitória, e na busca dessa finalidade a maior ferramenta é o conhecimento e o apego às regras. Entretanto, quais são as regras da verdade? Qual é a regra do jogo das relações? O problema parece maior quando percebemos que a ignorância de tais regras provoca a falsa impressão de sua total ausência. O jogo parece então de “vale-tudo” onde a mentira não presta conta à verdade, elas se misturam e se confundem num carrossel de ilusões. De um simples jogo as relações, pela ausência de regras, passam a se tornar conflitos. A arma é o discurso e a sua periculosidade e agressividade ao outro é medido pela sua ortodoxia e pretensão de se tornar uma ideologia soberana sobre todas as atitudes.

Closer é um filme, definitivamente, sobre o amor.

Site oficial do filme

Trailer:

The road to Guantanamo. Dir. Michael Winterbottom. 2006

2007-01-03T16:50:00.000-02:00

Setembro de 2001. Quatro jovens ingleses de ascendência paquistanesa partem ao Oriente Médio para um casamento. Em Karachi, uma cidade do Paquistão, ouvem nas mesquitas discursos inflamados de repúdio ao imperialismo Norte Americano e sensibilizados atravessam a fronteira com o Afeganistão para ajudar as pessoas mais necessitadas. Em Cabul, tentam regressar ao Afeganistão, pois os ataques americanos se intensificam, mas no caminho acabam num dos últimos redutos do Talibã. São levados a Kandahar, mas no caminho são surpreendidos por um bombardeio que destrói a cidade. Capturados pela Aliança do Norte são entregues aos americanos.

De uma forma muito crítica e nem um pouco panfletária o diretor Michael Winterbottom denúncia não só um fato pontual, como o tratamento de presos de guerra – e no caso, inocentes civis – mas também o combate ideológico entre o “bem” e o “mal” nas figuras de G. W. Bush x Osama Bin Laden, EUA x Oriente Médio, cristãos x islâmicos, ocidente x oriente. Esse é o ponto forte do documentário: a imparcialidade. As imagens que compõe a narrativa formam um retrato bastante nítido de um comportamento político de dominação que beira um autismo incapaz de compreender aquilo que se apresenta como sendo o “externo”.

A figura do “outro” deve ser denegrida a todo custo porque o “outro” representa um risco a minha própria existência. O “outro” é um risco aos “bons” modos e ao “progresso”. A política se reveste de religião, no discurso resplandecente de Bush “Deus” tem sua glória exaltada, e do outro lado está “Alá”. É irônico que a guerra entre os deuses tenha tantas implicações econômicas.

Enfim, a guerra do bem contra o “eixo do mal” não é uma guerra de religião. Não se trata de convicções religiosas em jogo, mas o que é extraído da religião é apenas um detalhe que faz muito efeito: o fundamentalismo, a intolerância. Dois deuses não podem dividir o mesmo mundo. Por essa razão o outro lado deve ser destruído para o bem do progresso e da economia mundial. Tudo isso é definitivamente muito irônico!

É chocante que o filme continue se repetindo nesse exato momento em Guantánamo.

Site oficial

Trailler

C.R.A.Z.Y. Dir. Jean-Marc Vallée. 2005.

2006-12-20T14:30:00.000-02:00

Zachary (Marc-André Grondin) nasceu no dia 25 de Dezembro de 1960 e sua mãe (Danielle Proulx) acredita que ele, por ter nascido na data que marca liturgicamente o aniversário de Jesus Cristo, tem algum “dom” divino, um suposto poder sobrenatural de cura. Afora todas as superstições colocadas, desde a infância, na sua cabeça por sua mãe, Zachary percebe em sua vida muitas diferenças na sua sexualidade em relação aos outros meninos de sua idade. Sendo o quarto filhos de cinco irmãos, não encontra espaço para viver uma experiência livre de amadurecimento e de formação de seu próprio caráter, pois um ranço de dogmatismo moral rege a opinião dos membros de sua casa.

A sinceridade da descoberta sexual de Zachary é mostrada de uma forma muito natural pelo diretor canadense Jean-Marc Vallée. Em meio aos conflitos familiares, os preconceitos de seu pai (Michel Côté), a proteção de sua mãe e os inconvenientes atritos com seus irmãos, Zachary se afirma na sua busca de identidade. A trilha sonora do filme auxilia o espectador a acompanhar esse movimento do personagem que migra de uma rigidez moral e uma ortodoxia religiosa representada por seu pai e por sua mãe para uma zona obscura de formação de sua subjetividade, porém livre.

C.R.A.Z.Y é um filme com um rítimo incrível. Cores fortes, diálogos rápidos e precisos, cenas econômicas e personagens dinâmicos fazem o filme ser bastante convencional, porém dotado de uma delicadeza, um cuidado, que tornam o drama do processo de subjetivação de Zachary bastante envolvente e familiar. Para o termo “convencional” que usei aqui, resgato uma frase do próprio Zachary: É muito difícil ser convencional. Porque é muito difícil ser aceito, isto é, verdadeiramente aceito. É muito difícil ter falhas. Ser perfeito não é esforço nenhum – e quem não quer se esforçar é viadinho.

Site oficial do filme

Assista ao Trailler:

O ano que meus pais saíram de férias. Dir. Cão Hamburger. 2006

2006-11-20T18:07:00.000-02:00

A ditadura militar brasileira está em seu ápice. É 1970 e o pequeno Mauro (Michel Joelsas), um mineirinho de 12 anos, vê-se diante de uma nova situação que exige dele um amadurecimento rápido e necessário. Os pais de Mauro, Bia (Simone Spoladore) e Daniel (Eduardo Moreira), por manifestarem-se politicamente na esquerda, são obrigados a fugir do país e deixam o filho em frente a casa do avô paterno, Mótel (Paulo Autran). No entanto, horas antes da chegado do menino, Mótel morre de um ataque cardíaco e Shlomo (Germano Haiut), um velho judeu tradicionalista e arrogante, pega o menino para criar em seu apartamento.

O convívio entre Mauro e Shlomo não é nada fácil, a aspereza de velho e a revolta do menino que não entende a partida dos pais geram uma relação crítica e conflituosa entre os dois. Mauro deve aceitar os complexos hábitos de um judeu arcado pelo tempo, Shlomo, por sua vez, deve compreender a angústia pela qual passa o menino, que teme não ver mais os pais e não entende o que acontece.

Em Mauro, a esperança do regresso dos pais se mistura e se confunde com a esperança de ver a seleção brasileira campeã na copa do mundo de futebol de 1970. Um sentimento particular cindido com um sentimento coletivo. O garoto deve se adaptar a uma nova vida, novos amigos, uma nova casa... Seus ouvidos se aguçam na percepção de qualquer veículo que passa na rua da casa onde ele está, sempre na esperança que o mesmo fusca azul no qual chegou, o leve novamente junto para com seus pais.

Cão Hamburger, conhecido por dirigir o seriado infantil “Castelo Rá-Tim-Bum”, mostra, com refinada sensibilidade, a visão de uma criança que vive no interior da fase mais cruel da ditadura militar e sente, de forma direta, suas conseqüências na pele sem mesmo saber o que está passando com seu país. Mostrando a dor real de um menino, a ausência dos pais, “O ano que meus pais saíram de férias” é um filme que tem uma abordagem diferente desse tema tão difícil, a ditadura militar, e que já é quase um clichê nesse ano em filmes como “Zuzu Angel” e “Cinemas, Aspirinas® e urubus”, esse último com seu mérito reconhecido. Cão Hamburger retratou a ditadura de uma forma original, dentro do imaginário de um garoto.

Confira o trailer:

Volver. Dir. Almodóvar . 2006

2006-11-18T10:27:00.000-02:00

Só um grande diretor pode fazer uma junção perfeita, considerada por tantos impossível, entre drama e comédia. Volver é um filme, para aqueles que gostam de cinema, imperdível neste ano. Fatos chocantes e grotescos se mesclam com graça e descontração. Raimunda (Penélope Cruz) é uma mulher jovem, bonita e trabalhadora. Ela e sua irmã Sole (Lola Dueñas) perderam os pais num incêndio quando pequenas numa aldeia em La Mancha e foram para o subúrbio de Madri ganhar a vida. Sole é cabeleireira e vive sozinha, pois seu marido fugiu com uma de suas clientes e nunca mais mandou notícias. Raimunda tem uma filha e um marido desempregado e por essa razão acumula trabalhos esporádicos. Como se não bastasse a difícil vida na periferia de Madri, Raimunda não contava com o assassinato de seu marido Paco (Antonio de la Torre) por sua filha, Paula (Yohana Cobo), que se defendia de um estupro do próprio pai adotivo. Almodóvar mostra assim uma história cíclica, pois Paula é, biologicamente, filha e irmã de sua mãe, ela é fruto de um assédio de seu próprio avô.

A beleza do filme está nos detalhes, na composição de elementos culturais no decorrer da narrativa. Diante de uma realidade repleta de problemas Raimunda se reveste de vigor e energia para tomar conta de um restaurante de beira de estrada e conta, para isso, com a ajuda incondicional de duas amigas, aquilo que uns diriam ser providência divina, Almodóvar fez parecer surgir naturalmente através da pura amizade, sem que fosse preciso que um feixe de luz surgisse por entre as nuvens e iluminassem a protagonista.

O cômico aparece na figura do fantasma de Irene (Carmem Maura), que literalmente toma carona no carro de Sole. A mescla entre sonho e realidade, razão e loucura, confunde o expectador que em determinados momentos se identifica com o espanto de Sole que vê sua mãe retornar dos mortos, mas, de fato, ela nunca morreu. Rondando como um fantasma acha graça ao perceber a vantagem de viver num meio onde as pessoas são tão supersticiosas.

Volver é um filme que mostra o retorno de seus personagens as suas origens. Personagens que se mantiveram tanto tempo numa inércia corrosiva que os tornam incapazes de compreender suas vidas e pensar suas questões. A volta de Raimunda chega em seu ápice quando ela canta a música tema “Volver” Após tantos anos sem cantar canção alguma...

Site oficial: www.sonyclassics.com/volver/

Confira uma cena do filme:

Veja o Trailler

The Unbearable Lightness of Being. Dir. Philip Kaufman. 1988.

2006-10-27T10:44:00.000-03:00

Inspirado no livro “The Unbearable Lightness of Being ”, lançado em 1984 pelo escritor Milan Kundera , o diretor Philip Kaufman, produz para o cinema, em 1988, uma maravilhosa obra de arte com talentosos atores:Juliette Binoche , Daniel Day-Lewis e Lena Olin

Escolhas, medo e angústia. Num mundo onde a realidade está completamente sensível ao nosso poder de fazer livremente escolhas e nosso vir-a-ser cada vez mais solúvel em nós mesmos, a realidade, com uma capacidade devoradora, lança Tereza (Juliette Binoche) num oceano de angústia e insegurança. Tereza está loucamente apaixonada por Tomas (Daniel Day-Lewis), um médico que com estrema facilidade, talvez por hábito do ofício, diz para todas as mulheres que cruzam seu caminho: Take off your clothes. Por ele Tereza larga toda sua vida, sua família e seu trabalho e vai a procura de Tomas, batendo na porta de seu apartamento e entregando-se completamente.

O contraste entre a leveza com que Tomas leva a sua vida, de forma descomprometida e libidinosa e o comportamento de Tereza com sua forma infantil de buscar alguma segurança e algo de sólido na vida fazem do filme um palco de tensões opostas. Tereza sente inveja de Tomas, gostaria, no fundo de sua alma ser como ele, mas não consegue. Tomas, apesar de tudo, ama Tereza, mas não consegue deixá-la segura disso.

A leveza da liberdade, sua facilidade e a variedade de opções que ela coloca no caminho de todo homem abrem um leque tão extenso e, ao mesmo tempo, irreversível, que a vida se torna pesada e se não sabemos lidar bem com isso somos abatidos pela angústia e atormentados pelo medo e insegurança.

Odisséia de filmes Espaço Unibanco - 07/10/2006

2006-10-15T21:05:00.000-03:00

Uma noite de sexta-feira chuvosa. Sono e cansaço não foram o bastante para derrubar meu ânimo. Do outro lado do fronte desta guerra, a guerra para me fazer dormir, estava o interesse por três filmes fantásticos. Não havia linha alguma que os ligavam. Eram completamente independentes um do outro. Talvez, uma linha que possivelmente poderia os ligar é o aumento do grau de dramaticidade.

O primeiro foi uma animação, Wood & Stock - Sexo, Orégano e Rock'n'Roll (2006), onde os personagens de Angeli cansados de um mundo materialista e cada vez mais entregue ao individualismo tomam a iniciativa de lançar uma banda de Rock. Gordos e carecas não fazem tanto sucesso como gostariam e começam a contradizer seus ideais.

O segundo filme foi Les Chevaliers Du Ciel (2005), do diretor francês Gérard Pirès. A trama consistia em operações secretas no interior da Força aérea francesa. Muita ação e mulheres bonitas. É bom para prender a atenção e não fazer dormir, pois já era 3:00 da manhã.

O terceiro filme, esse sim, foi muito interessante, Crónica de una Fuga (2006) do diretor uruguaio Adrián Caetano. O filme consiste em mostrar a ditadura das décadas de 60/70 na Argentina em que uma mansão é controlada por oficiais da polícia para prender, torturar e executar presos políticos. É um filme extremamente chocante que nos faz refletir sobre virtudes como lealdade, justiça e coragem.

Da esperança ao desespero: Dilemas de uma democracia inacabada.

2006-10-04T09:35:00.000-03:00

Em 2002, na campanha para a presidência da república, o slogan da campanha do presidente Lula era “A esperança vencerá o medo”. A esperança era prefigurada na idéia de mudança, na idéia do novo, no entanto, ao mesmo tempo, essas mesmas idéias geravam em si o medo. Na figura de Lula, o candidato da oposição, era sinalizada a mudança que geravam duas paixões simetricamente opostas no eleitorado, uns eram tomados pelo medo do pior e outros pela esperança do melhor. O fato ocorrido é que da oscilação entre o medo e a esperança no cenário eleitoral brasileiro da campanha de 2002 a esperança venceu.

A esperança venceu há quatro anos através da confiança do povo depositada na eleição do presidente Lula, mas agora, podemos dizer que na melhor das hipóteses, sendo muito otimistas, parece que os brasileiros terão que esperar ainda mais sem, ao menos agora, vislumbrar rastros de mudanças legítimas e realmente significativas. A mudança esperada e pela qual Lula foi eleito não ocorreu de fato. Pelo contrário, Lula ajudou a reforçar a estrutura contra-democrática do Estado brasileiro, mantendo o arcabouço da centralização do poder em que todas as estruturas de políticas públicas, de legalidade e de tributos são mantidas de forma autoritária ainda num molde do Brasil imperial que só as oligarquias favorece. Houve no governo Lula atos medicativos, quase que exclusivamente emergenciais, mas não mudanças as quais tínhamos esperança que ocorressem. Ao contrário, o fato de um partido de esquerda ter chegado ao poder foi possibilitado pelo agenciamento de alianças partidárias bizarras que, como um efeito, gerou um quadro corruptivo não muito diferente de governos passados, reforçando ainda mais a opinião de que mudança alguma ocorreu com a eleição de Lula.

Hoje um desespero irrequieto toma o lugar da esperança de quatro anos atrás. Temos nesse segundo turno que eleger o “menos pior”. É desesperador que o debate do “ruim” contra o “menos mal” fique restrito a acusações, a dossiês, a vestidos de grife, a maletas e cuecas de dinheiro. Cada candidato se preocupa em dar mais razões pelas quais o outro, seu adversário político, não deve ser eleito, razões pelas quais ele não deve chegar ou se manter no poder. Ora, que democracia é essa? A democracia pressupõe liberdade para com ela escolher um candidato pelas suas convicções e não, tão somente, pela falta de opção. Qual a convicção de Lula? E de Alkimin? A palavra mais repetida durante toda a campanha foi “Ética”, utilizada por ambos os lados. Essa palavra foi tão usada que ironicamente se corrompeu e ficou vazia de significação. O que é ética? Qual dos dois candidatos sabe o que essa palavra realmente significa?

A situação se torna ainda mais desesperadora quando olhamos o perfil de alguns dos deputados federais mais votados nesse ano. Maluf, Clodovil, Celso Russomano, Éneias Carneiro e Frank Aguiar! Sem contar alguns figurões intimamente ligados aos fatos recentes de corrupção. O que isso significa? O que devemos esperar desse cenário desesperador da política brasileira?

Este post foi postado tambem no blog "A voz do povo"

Blog "A VOZ DO POVO"

2006-09-30T09:32:00.000-03:00

Agora escrevo tambem no blog "A voz do povo". Confira aqui um post que escrevi para eles seguida de uma interessante discussão.

Caros leitores

2006-09-29T16:46:00.000-03:00

A situação política brasileira, já bem conhecida, sempre foi caótica. Nos momentos de disputa eleitoral as dissonâncias ficam mais nítidas e podemos ver que o problema está na base, no voto. Muitas mudanças já foram feitas pelo Tribunal Superior Eleitoral para deixar as campanhas mais transparentes, no entanto, muito ainda falta ser feito. Os programas gratuitos eleitorais transmitidos nos canais de televisão mais parecem “propagandas de sabonetes”, mostrando a aparência de cada candidato, enquanto as propostas de governo, aquilo que realmente interessa, é deixado em segundo plano.

A eleição no Brasil é nesse Domingo, dia 01 de Outubro, e muita gente não sabe direito em quem votar. A população não conhece os seus candidatos à representação presidencial. A realidade é que não há muita opção, ou melhor, não apareceu nenhuma opção diferente, pois faltou, durante toda a campanha, debate e diálogo entre os candidatos. Ontem, 28 de Setembro, o candidato para a reeleição, Lula, não compareceu ao debate realizado pela maior rede de comunicação brasileira, a Rede Globo. Lula tem nas pesquisas por volta de 48% das intenções de votos e há possibilidade de que não haja segundo turno nas eleições. Isso é bom para o Brasil?

Particularmente penso que não! Sem debate não há democracia. Por isso espero que tenhamos um segundo turno e, por conseqüência, tenhamos oportunidade para um debate de verdade, o confronto entre os dois candidatos que sobrarem e que possamos distinguir, de forma mais nítida e clara, a diferença entre eles, diferença a qual, não parece haver nesse momento.
Coloquei aqui algumas entrevistas do YouTube postadas em sua grande parte pelo blog TV Aberta. O Jornal da Globo e a rede Record não são bons meios, ou meios muito confiáveis, para nos transmitir imparcialmente a voz de um candidato, mas foi o me é possível. Eu também estou muito indeciso, mas não podemos ignorar nosso país.

Candidato Luís Inácio Lula da Silva

2006-09-29T16:36:00.000-03:00

Entrevista ao jornal da Globo
Parte I

Parte II

Entrevista da rede Record

Candidato Geraldo Alkimin

2006-09-29T16:30:00.000-03:00

Entrevista ao Jornal da Globo
Parte I

Parte II

Entrevista da Rede Record

Candidato Cristóvam Buarque

2006-09-29T16:21:00.000-03:00

Entrevista ao Jornal da Globo
Parte I

Parte II

Entrevista da Rede Record

Candidata Heloísa Helena

2006-09-29T16:09:00.000-03:00

Entrevista do Jornal da Globo
Parte I

Parte II

Entrevista da Rede Record

Wilbur Wants To Kill Himself. Dir. Lone Scherfig - 2003

2006-09-20T13:11:00.000-03:00

Já disse para algumas pessoas que não gostei desse filme. O filme é muito bem feito, sua trilha sonora é perfeita e os personagens são envolventes. O fato é que eu não sei lidar com “o fim”, seja de qualquer coisa, seja uma despedida, seja qualquer coisa que acabou... que terminou... O fim para mim é insuportável!

O filme “Meu Irmão Quer Se Matar” tem exatamente “o fim” como temática. Seu núcleo gira em torno de Wilbur (Jamie Sives) que busca incessantemente se matar. Harbor (Adrian Rawlins) é um homem bondoso que passa sua vida inteira tentando cuidar de Wilbur, seu irmão mais novo, salvando-o sempre de seus ataques suicidas. Eles cuidam de um sebo herdado do pai já falecido. É nesse sebo que eles conhecem Alice (Shirley Henderson), que entra na loja acompanhada de sua jovem filha Mary (Lisa McKinlay). Alice é faxineira num hospital das redondezas e vende os livros que os pacientes deixam nos quartos à medida que são desocupados. Harbour apaixona-se por Alice, fazendo com que os quatro vivam cada vez mais próximos.

A diretora Lone Scherfig consegue lidar de uma forma bem humorada com um tema muito delicado: A morte. Seu filme “Italiano para iniciantes” (2000) foi um dos primeiros a levar o selo Dogma 95, movimento dinamarquês de regras rígidas que extirpa recursos técnicos que potencializam a ilusão do cinema e, de acordo com o manifesto, massificam a produção da arte, enganando a audiência. Com “Meu Irmão Quer Se Matar” Lone Scherfig abandona a maioria dos princípios do Dogma 95, mas, embora tenha fugido ao Dogma, mostra que aprendeu algumas lições: estéticamente o filme é impecável.

A história dessa estranha família é curiosa. Em tempos que o cinema é produzido para tirar uma reação imediata do público, seja de riso, seja de repulsa, seja de tristeza. O filme “Meu Irmão Quer Se Matar” não é assim. Nada está dado e sempre é bom duvidar da sua primeira impressão. A complexidade da vida em contraste com a simplicidade das pessoas é o grande centro da história. Os personagens são simples, mas escondem elementos que não são claros a primeira vista. A genialidade de Lone Scherfig está em ser absolutamente imparcial e, acima de tudo, em deixar nas mãos do público a interpretação dos fatos e o entendimento dos personagens.

Assista o Trailler:

Assistir ou não assistir? Eis a questão!

2006-09-19T16:31:00.000-03:00

Se alguém souber de algo que esteja passando no cinema e realmente vale a pena assisitir, por favor, me avisem... Não consigo, definitivamente, achar nada de bom. Será que aquele filme "Obrigado por fumar" merece ser assistido?

Dancer in the Dark. Dir. Lars Von Trier. 2000

2006-09-11T07:46:00.000-03:00

1964, Estados Unidos. Uma mulher em terras estranhas em busca de uma vida melhor. Vítima de uma doença incurável que a leva progressivamente à cegueira, Selma (Bjork) não desiste mesmo assim, de trabalhar, com o objetivo de, com o dinheiro, prover a cura para a doença que seu filho certamente herdará.

A interpretação de Bjork é brilhante. Sua voz e seu carisma dão à personagem Selma uma profundidade e um espírito lúdico que facilmente acomete o público à uma familiaridade inevitável. A frieza e o distanciamento do diretor Lars Von Trier, já aqui comentado em Dogville, parece casar-se perfeitamente com o encanto da personagem representada por Bjork. A simplicidade dos fatos que se desenvolvem na narrativa e das pessoas que se apresentam em cena retratam uma realidade bucólica, porém, cruel. Esse é o ponto que Trier sempre insiste em seus filmes.

A grande questão do filme é: Pode-se ser inocente de um assassinato a sangue frio? Selma mata um policial, seu vizinho, após ir à casa dele pegar o dinheiro que ele havia roubado dela anteriormente. Envergonhado do que fez, ele pede para que ela o mate. Selma, confusa e sem plena visão do que ocorre, o mata com tiros, ao que me parece, e essa é uma interpretação muito particular, de misericórdia.

O dinheiro roubado pelo policial era fruto de anos de trabalho de Selma para pagar uma cirurgia para seu filho. A tal doença é incurável, mas Selma mantém em sua mente essa fantasia pagando com sua vida numa forca norte americana.

Um filme genial de Lars Von Trier. Qualidades humanas como a confiança e a sinceridade são colocadas em foco num cenário onde o “mal”, inerente das ações humanas, vitima os mais fracos.

Confira uma cena do filme:

L' auberge espagnole. Dir. Cédric Klapisch. 2002

2006-09-05T22:14:00.000-03:00

Antes de “Bonecas russas”, já comentado aqui anteriormente, Xavier (Romain Duris) já havia começado sua aventura atrás de seu “eu” em “Albergue espanhol”. Com 25 anos, Xavier está terminando o curso de Economia. Com a oferta de um emprego, de um amigo de seu pai, no Ministério da Fazenda, Xavier precisa para assumir o posto saber a língua espanhola. Ele decide acabar seus estudos em Barcelona, para aprender a língua. Para isso vai ter que deixar Martine (Audrey Tatou), sua namorada há quatro anos. Ao chegar em Barcelona Xavier procura um apartamento no centro da cidade e acha um em que deve morar com sete estudantes, todos estrangeiros.

Tendo como cenário uma das cidades mais dinâmicas da Europa, Barcelona, “Albergue Espanhol” faz uma paródia com a diversidade cultural.

Xavier chega à Espanha totalmente despreparado - sem saber falar o idioma do local onde está. Entristecido por deixar a namorada na França, Xavier está confuso sobre quem é ou que laços pode criar nessa cidade estrangeira. Na busca de um lugar para ficar, ele acaba encontrando um casal francês recém-casado, um médico e sua solitária esposa, Anne Sophie, (Judith Godrèche) que lhe oferecem o sofá. Depois, encontra um lugar definitivo: um apartamento com sete estudantes de nacionalidades tão variadas quanto suas personalidades e sexualidade. Segundo Xavier, a multiplicidade de línguas faz lembrar o caos que existe em sua cabeça.

Xavier se vê, pela primeira vez, antes de “Bonecas Russas”, envolvido numa teia de mulheres: a namorada francesa Martine, que parece distante mesmo tendo vindo visitá-lo; sua melhor amiga lésbica no albergue e instrutora sexual, a belga Isabelle, que gostaria que Xavier fosse mulher; e a reprimida Anne Sophie, por quem Xavier sente um afeto que acaba desembocando num caso proibido. Esse problema foi melhor explorado no filme que ilustra os mesmos personagens cinco anos mais tarde...

Mesmo com corações partidos e olhos sendo abertos de formas inesperadas, e mesmo com o tumulto e a confusão reinando no apartamento, surge uma espécie de unidade a partir dos sonhos que seus habitantes têm em comum. Surge também a certeza que nenhum deles será igual depois das experiências que viveram no Albergue Espanhol. Agente nunca é o mesmo depois de conhecer alguém diferente...

Confira Xavier contando a história de seu primeiro beijo em Martine:

Confira!

2006-09-01T19:20:00.000-03:00

Achei um vídeo no You tube do filme "Amor em cinco tempos" de François Ozon. Confira... aqui

The hours. Dir Stephen Daldry. 2002

2006-08-31T22:36:00.000-03:00

A angústia, a fraqueza, em suma, a dor de viver. Problemas fundamentais que transpassam a condição humana são trazidas no filme “As horas”, do diretor Stephen Daldry, retratando o percurso histórico de três distintas mulheres que têm suas histórias unificadas pelo peso da existência individual.

Nos três períodos diferentes vivem três distintas mulheres ligadas ao livro "Mrs. Dalloway". Em 1923 vive Virginia Woolf (Nicole Kidman), autora do livro, que enfrenta uma crise de depressão e pensamentos de suicídio. São retratados no filme seu impulso, psicótico, a literatura e suas crises numa vida que ela sente não pertencer mais a ela.

Em 1949 vive Laura Brown (Julianne Moore), uma dona de casa grávida que mora em Los Angeles, planeja uma festa de aniversário para o marido e não consegue parar de ler o livro. O mesmo problema é enfrentado: Que liberdade temos de se escolher a vida que se tem?

Nos dias atuais vive Clarissa Vaughn (Meryl Streep), uma editora de livros que vive em Nova York e dá uma festa para Richard (Ed Harris), escritor que fora seu amante no passado e hoje está com Aids e morrendo.

O filme “As horas” nos remete a reflexão sobre o sentido de nossas vidas em relação as pessoas que nos cercam. Até que ponto podemos viver nossas vidas exclusivamente para os outros? Até onde podemos ir para agradar alguém?

O personagem Richie Brown, escritor, agora com AIDS em fase terminal, faz algumas provocações à personagem Clarissa Vaughan, sua ex-amante e atual editora:

Richie Brown:

I'm not trying to say anything. I think I'm staying alive just to satisfy you.
I've stayed alive for you. But now you have to let me go.
Would you be angry if I died?

A grande questão é: Há como viver para si próprio? Por que temos necessidade de manter nossa existência para os outros? Por amor? Por carinho? E nós?

Confira o Trailler:

Caros leitores:

2006-08-30T10:09:00.000-03:00

Por motivos que fogem de meu controle, talvez eu não poderei postar nesses dias. Pretendo voltar o quanto antes. Tenho vários filmes esperando por mim...

Saudações

A estréia do mês: o mais novo filme de Ozon – O tempo que resta.

2006-08-26T10:59:00.000-03:00

Para quem não sabe, François Ozon se propôs a fazer uma trilogia cujo tema central é a morte, ou, sobre a angústia da perenidade da vida. Abordando a “morte do outro” em “Sous le Sable”, agora Ozon retrata de forma dramática a “a morte de si” em "Le temps qui reste" que estréia neste mês nos melhores cinemas do mundo. Não vejo a hora de poder assistir!!! ... Ah, e depois escrevo com mais detalhes após ver o filme de verdade...

Dizem que o último da trilogia será o mais chocante dos três, pois será sobre a morte de uma criança.

Teatro - OITO. Núcleo 53. 2005

2006-08-24T08:39:00.000-03:00

A fugacidade do tempo e do espaço. O instante que escapa às mãos. O local que inebria o homem inserido nele. A peça OITO, dirigida por Antônio Januzelli e Juliana Jardim, nos lança a uma profunda reflexão sobre o “aqui e o agora” na arte dramática pós-moderna.

Cenas desconexas, sem uma aparente necessidade de “causa e efeito” nos remete à uma realidade sem explicação, sem razão de ser de seus fatos. O Tempo, o momento, se resume nele mesmo, sem remeter à nada que veio antes dele, e sem ser causa de nada após ele. A experiência com um tempo reduzido ao instante, ao agora, ao imediato, ao instantâneo, faz que a condição humana se limite a um “quebra-cabeça”. Cada segundo é um ato tão independente dos outros que às vezes se torna desconexo e antiquado.

O Espaço, o lugar, é vazio, insignificante. Pode ser interpretado como ilimitado, mas não infinito. A significação cabe tão somente aos atores. O personagem é o núcleo. A ele cabe toda expressão, toda força e pujança nas emoções, seja de medo e desespero, seja de esperança e segurança. Os oito personagens trazem para dentro do palco seus instantes, seus “aquis”, seus “agoras”, suas confusões e precipitações. A memória do passado é engolida pela velocidade com que o futuro chega para tornar-se, a seu turno, presente. O tempo trata de se esgotar como em uma ampulheta, e o personagem é sufocado pelo desespero causado pelo objeto não atingido, do sonho não alcançado, do projeto não realizado, do “não-ser” que persegue a consciência humana, fazendo com que os personagens do palco corram atrás de algo que não se define bem, algo que “em si” não é claro e distinto.

A condição pós-moderna, a experiência de um tempo e um espaço fragmentado, desconexo, sem, aparentemente, causalidade. Os instantes são, no plano da experiência, incausados e sempre se fica com a impressão de que são, também, inconclusos. A todo instante se espera aquilo que nos falta na relação com o mundo, que seja dado através do outro, de semelhante, mas a solidão, condição primordial do homem desamparado, daquele que vive catando os pedaços do “aqui e do agora” para tentar, em vão, entender a vida, é aquilo que há de mais certo e seguro. Numa realidade que não há nada de concreto e integro, o ser humano necessita juntar os pedaços de sua experiência com um mundo volúvel que constitui homens, também eles, volúveis.

Trois Couleurs: Bleu. Dir. Krzysztof Kielowski. 1993.

2006-08-21T21:37:00.000-03:00

Além de nós mesmos, do que mais precisamos? O que sobra de nós quando perdemos aquilo de que nos servimos para apoiar nossas vidas? O que há de errado com a solidão? O filme “A liberdade é Azul”, do diretor Krzysztof Kielowski, nos orienta a responder tais questões.

Julie (Juliette Binoche), uma famosa modelo, sofre um acidente que é fatal para seu esposo, um renomado compositor erudito, e sua pequena filha. A dor da perda é insuportável para Julie, que passará, de agora em diante, por uma reavaliação pessoal. Ela não tem mais nada daquilo que tinha à segundos atrás; as pessoas que mais amava foram brutalmente arrancadas de seu lado. Quando ela volta à consciência após o acidente, vê, no hospital, pela TV, o funeral com o caixão de seu marido ao lado do de sua filha.

Sua vida entra em crise e ela percebe que deve recomeçar do nada, reconstruir a partir de escombros, a partir de entulhos... Não dá para simplesmente voltar a sua antiga casa e tentar deixar o tempo cuidar das feridas. Ela deve mudar de vida, de casa, de cidade, de hábitos. No entanto, a grande obra de seu esposo, uma canção pela unificação da Europa, a persegue, e Julie vê que necessita terminá-la. A mensagem central do filme é revelada por um simples flautista de rua, mas Julie não compreende bem, embora seja exatamente isso o que ela esteja vivendo: “Todos precisam se apegar a algo”.

Essa mensagem é espantosa. “A liberdade é Azul” nos diz que a solidão é sempre o maior inimigo do homem. Não importa o que seja, sempre o homem deve estar apegado a alguma coisa, a um sonho, a um objeto, a uma outra pessoa... Não importa o que seja. Isso retrata a incompletude humana, a insuficiência do ser humano a si mesmo.

O filme “A liberdade é Azul” é o primeiro filme do diretor Krzysztof pertencente a uma trilogia que se segue com “A igualdade é Branca” e “A fraternidade é Vermelha”, que constituem os ideais da revolução francesa. Não vejo a hora de ver esses outros dois!

Assista ao Trailer:

5 x 2. Dir. François Ozon. 2005

2006-08-16T09:57:00.000-03:00

Mais um brilhante filme do diretor francês François Ozon. “O amor em cinco tempos” tem o peculiar roteiro de ser mostrado de traz para frente. Do fim de um relacionamento rumo à sua origem, em direção àquilo que moveu pela primeira vez, o casal protagonista, a começar um relacionamento.O filme apresenta Marion (Valeria Bruni-Tedeschi) e Gilles (Stéphane Freiss) no dia em que eles assinam os papéis do divórcio. A partir desse ponto, o roteiro leva o espectador a conhecer os detalhes que formaram esse relacionamento: são cinco seqüências estrelados pelo casal.

Pode parecer no mínimo estranho que não percamos a curiosidade de ver um filme quando ele já começa pelo fim. O que nos mantém na poltrona do cinema é a motivação em descobrir o porquê que aquele casal que no fim se divorcia, e após o divórcio, transam numa cena de um “estupro concedido”, se chegaram, um dia, a se amar de verdade. A composição dos cinco atos, das cinco cenas ou fases do casal, são marcadas pela angústia, pelas mentiras recíprocas, pela incompatibilidade de gênero, pela fraqueza de Marion e pelo machismo de Gilles. É muito curioso que Ozon consiga transpor um drama muito pesado, que causa uma auto-avaliação em qualquer telespectador em seu relacionamento, em cenas que se revestem, às vezes, com a capa de uma comédia romântica. A festa de casamento, num clima totalmente familiar, é o mesmo cenário da primeira traição. Ozon não nasceu para fazer “contos de fada”, essa nunca foi sua intenção. Ozon sempre transporta para as películas fatos verdadeiros de pessoas verdadeiras.

O ranço das mentiras adormecidas, dos segredos calados, das palavras não ditas, do carinho não feito, do amor não anunciado, da ajuda não oferecida, das mágoas causadas, enfim, dos “maus entendidos” entendidos, é o caminho certo e seguro para a separação daquilo que não teve razão alguma para começar. O título “O amor em cinco tempos” sugere algo de universal, de imutável quanto à natureza daquilo que é chamado “amor”. O filme não é romântico e é ao mesmo tempo. Ozon retratou aquilo que é dito “amor” de forma verídica. O amor sempre começa pelo mesmo motivo e termina pelo mesmo motivo, a saber, o acaso. Eis a palavra que anula qualquer romantismo, o acaso... Pois o acaso é motivo suficiente tanto para começar, quanto para terminar.

Assita o Trailer

Det sjunde inseglet. Dir. Ingmar Bergman. 1957

2006-08-13T19:11:00.000-03:00

Guerra, peste e fome. O filme “O sétimo selo” inserido no apogeu da crise do sistema feudal no séc. XIV, mostra com clareza o trinômio que põem fim a um período histórico: “Guerra”, “Peste” e “Fome”, faltava o quarto cavaleiro apocalíptico que é representado no papel da “Morte”.

O filme começa com a leitura do livro do Apocalipse, em que o anjo começa por abrir os selos do pequeno livro da verdade. Antonius Block (Max von Sydow) é um cavaleiro que volta das cruzadas e encontra a Suécia devastada pela peste negra. Numa certa manhã, na praia, enquanto descansa com seu cavalo, tem um encontro com a Morte (Bengt Ekerot) que diz a ele que chegou sua hora, que deve levá-lo, pois seu tempo acabou. Antonius propõe á Morte, com o propósito de ganhar tempo, um jogo de xadrez. Um cavaleiro medieval diante de um tabuleiro com a Morte. (Parece ironia; não é sem propósito que ouvi risos do público no cinema).

É possível notar um tom existencialista nessa história. O fim de uma era é encarado como o fim do mundo. O jogo de xadrez é o homem velho do medievo em confronto com seu fim inevitável. A cena do jogo mortal se dissolve e vemos nosso protagonista numa igreja procurando um sentido para a vida. Questionamentos, indagações invadem e tomam forma em seu pensamento. Antonius procura se esquivar de seu fim, mas percebe que é preciso saber lidar com ele. Procura então algo bom por fazer, uma boa ação; algo que alivie sua consciência. O cavaleiro revela seu medo, sua esperança, revela querer o conhecimento da vida, seu propósito, o porquê dele estar onde está. Mas quem o ouve atrás do véu do confessionário é a Morte que descobre qual será sua próxima jogada que colocará seu rei em xeque.

Cena do filme:

Estamira. Dir Marcos Prado. 2006

2006-08-12T12:15:00.000-03:00

Mais do que a vida de uma mulher no subúrbio do Rio de Janeiro, o documentário “Estamira”, do diretor Marcos Prado, coloca diante de nossos olhos uma realidade que causa, de um ponto de vista, indignação, pelas sub-condições de vida em que se sujeitam pessoas como a personagem retratada; e por outro lado, causa espanto, porque nos provoca a seguinte questão: loucos, quem são?

Estamira é uma mulher de 63 anos de idade que há vinte anos trabalha no aterro sanitário do Rio de Janeiro. O cenário é a imagem da constante deteriorização do mundo pós-moderno; ele machuca, agride, confunde o personagem inserido nele. Há momentos em que podemos perceber o vento e a forte chuva como que destruindo, levando, todo o resto daquilo que um dia foi envolto pelo fetichismo dos mercados da Internet, dos shoppings, enfim, da mídia; tornando realidade aquele dito de Marx que todo mundo já ouviu e repete sem saber do que se trata: “tudo o que é sólido se desmancha no ar”. A história de Estamira é relatada na medida do necessário, flashes de fotos antigas, relatos de filhos, e lembranças dela mesma. Seu impasse com os remédios psiquiátricos e o medo de ir para o hospício também são trazidos á cena...

O documentário de Marcos Prado trata de dois problemas sociais de longa data, a miséria e a questão da loucura. O que espanta é que o documentário tende à uma grande ficção, a ficção das idéias de Estamira. Para ser sincero, o espectador perde o parâmetro do que é ficção ou realidade pois a coerência de Estamira, que sempre fala com muita autoridade, nos leva a indagar o mundo fora do lixão. Quem são os loucos?

Ditos de Estamira:

A minha missão, além d’eu ser Estamira, é revelar a verdade, somente a verdade. Seja mentira, seja capturar a mentira e tacar na cara, ou então ensinar a mostrar o que eles não sabem, os inocentes… Não tem mais inocente, não tem. Tem esperto ao contrário, esperto ao contrário tem, mas inocente não tem não.

Eu Estamira sou a visão de cada um. Ninguém pode viver sem mim. Ninguém pode viver sem Estamira. E eu me sinto orgulho e tristeza por isso. Porque eles, os astros Negativos ofensivos, sujam os espaço e quer-me. Quer-me, e suja tudo. A criação toda é abstrata. Os espaço inteiro é abstrato. A água é abstrato. O fogo é abstrato. Tudo é abstrato. Estamira também é abstrato.

A Terra disse, ela falava, agora que ela já tá morta, ela disse que então ela não seria testemunha de nada. Olha o quê que aconteceu com ela. Eu fiquei de mal com ela uma porção de tempo, e falei pra ela que até que ela provasse o contrário. Ela me provou o contrário, a Terra. Ela me provou o contrário porque ela é indefesa. A Terra é indefesa. A minha carne, o sangue, é indefesa, como a Terra; mas eu, a minha áurea não é indefesa não. Se queimar os espaço todinho, e eu tô no meio, pode queimar, eu tô no meio, invisível. Se queimar meu sentimento, minha carne, meu sangue, se for pra o bem, se for pra verdade, pra o bem, pela lucidez de todos os seres, pra mim pode ser agora, nesse segundo, e eu agradeço ainda.

Site oficial do Documentário

Elsa e Fred. Dir. Marcos Carnevale . 2005.

2006-08-08T09:34:00.000-03:00

Uma história de amor à moda antiga. Sempre há tempo para começar de novo, para realizar nossos sonhos... Esse filme é como um sopro de esperança. Definitivamente é emocionante, cativante.

Não há como não se simpatizar por Elsa (China Zorrilla), uma velhinha octogenária super divertida. Cada frase há um motivo para rir. Seu sonho é ir a Roma viver uma cena de um filme que para ela é inesquecível, “La dolce vita” de 1960, onde Anita Ekberg se banha na Fontana di Trevi à espera de seu par, Mastroianni. Ora, esse é o ponto fundamental, a realização desse sonho de Elsa requer um “Mastroianni”...

Ao conhecer o viúvo Fred (Manuel Aleixandre), seu novo vizinho, Elsa vê a realização desse sonho. A doçura e elegância com que se desenvolve o romance é exemplar e admirável. É muito difícil encontrarmos uma comédia romântica provocar risos e ser, ao mesmo tempo, delicada e econômica nos clichês do romantismo. O otimismo é a característica marcante. Toda semana Elsa deve ir ao hospital fazer hemodiálise. Ela está no estado terminal de sua doença, no entanto, ela encara isso com bom humor, pois ela não tem medo de morrer, e sim de deixar de viver enquanto tem a vida em suas mãos.

O que esse filme tem de especial é o caráter singelo, delicado, que não achamos mais no cinema moderno. Talvez seja porque a situação encenada foge completamente do paradigma de uma comédia romântica; abstraindo esse filme, não me lembro de mais nenhum que tem como protagonistas um casal de 80 anos!

Trailer do filme:

Site oficial do filme

Swimming pool. Dir. François Ozon. 2003

2006-08-07T10:15:00.000-03:00

A falta de inspiração. Uma crise aparente na vida de uma autora britânica de best-selers. Convidada por seu editor para passar o verão numa casa no sul da França, ela conhece Julie (Ludivine Sagnier), uma misteriosa jovem com quem terá uma relação turbulenta. Os conflitos começam com coisas simples, bobas na verdade, como por exemplo, a comida que foi esquecida de ser colocada na geladeira, o volume da TV um tanto alto e coisas desse tipo. No entanto, não são as diferenças que chamam a nossa atenção na relação entre as duas protagonistas, mas sim, aquilo que as aproxima, aquilo que identifica ambas numa coesão de personalidades.

Sarah Morton (Charlotte Rampling) esperava, naquele verão, a atmosfera ideal para seu gênio criador literário. A primeira vista a presença de Julie na mesma casa poderia atrapalhar seus planos, mas não é bem isso o que acontece. Embora haja, desde o início, um conflito latente entre as duas, Sarah, sob a pressão de escrever um livro genial para o mercado editorial, começa a fazer esboços em que a protagonista é Julie. Ela começa a transportar a experiência que tem com a realidade, a experiência que ela consegue captar no convívio com em ficção. Sarah reconstrói Julie.

O trabalho de Sarah Morton começa a ser o de conhecer Julie cada vez mais num convívio, sobretudo, investigativo. Julie tem uma personalidade que incita a curiosidade de Sarah. No fim, não se sabe bem se Julie realmente existiu, se esteve realmente na casa, no sul da França naquele verão, se não era simplesmente um efeito, um fruto, da imaginação criadora de Sarah.

Novamente, Ozon coloca genialmente, assim como em “8 femmes”, poucos personagens atuando num pequeno espaço. O que é colocado em prova é o talento. Ludivine Sagnier parece ser a preferida de Ozon, ela aparece em “8 femmes", “Gouttes d’eau sur pierres brûlantes”, em cada filme mostrando um lado distinto de suas habilidades frente as câmeras.

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Quanto vale ou é por quilo? Dir. Sérgio Bianchi - 2005

2006-08-02T09:42:00.000-03:00

Certa vez, ouvi no rádio um comentarista político, um tanto conhecido aqui no Brasil, usar um termo muito curioso para se referir a condição histórica de corrupção na política brasileira: a “inércia histórica”. Talvez possamos chamar também de “inércia social”. É curioso esse termo, pois ele trata da união entre uma lei puramente física e um conceito sociológico. A inércia é a conservação de um estado dinâmico de um corpo num sistema. Se algo está num dado estado dinâmico, seja de movimento ou de repouso, ele tende a ficar nesse estado se não houver razão suficiente alguma que o impeça, ou seja, se não houver nada opondo a manutenção, natural, desse estado dinâmico.

“Quanto vale ou é por quilo?” mostra exatamente essa “inércia social”. Sérgio Bianchi colocou em paralelo o período histórico brasileiro do fim do século XIX com o Brasil contemporâneo. O período final da escravidão negra brasileira e a atual situação da periferia nas grandes cidades. São colocados à vista as grandes mazelas e contradições de um país em constante crise de valores morais. A sociedade é vislumbrada na óptica mercadológica. A relação econômica que contrapõe casa-grande e senzala é análoga a a relação entre a elite econômica e os excluídos do subúrbio.

“Mais vale pobres na mão do que pobres roubando” é o eslogan do filme. O trabalho de inclusão social praticado pela iniciativa privada é duramente criticado, pois o fim que tal iniciativa, aparentemente, visa sanar, a saber a igualdade social, é barrada pela própria lógica estrutural do sistema. O mercado opera com a pobreza e a exclusão. A grande questão é que a democracia é o sistema político vivido no Brasil porque é o sistema do consumo, aquele que favorece melhor o liberalismo econômico.

A “inércia social” está no filme retratar que a história brasileira não muda, ela está estática, barrada, bloqueada de transformação.

Link Oficial do filme.

Bloguear: "informar com criatividade"

2006-07-31T13:07:00.000-03:00

by Fernanda Rubio - http://www.fernandarubio.blogspot.com/

L'Enfant. Dir. Jean-Pierre Dardenne e Luc Dardenne - 2005

2006-07-30T16:44:00.000-03:00

Um filme sem trilha sonora. Eu ainda nunca havia visto um filme assim. Trata-se de uma denúncia, um alerta a uma sociedade perdida e sem sensibilidade.

Um casal de jovens e um filho para criar. Sonia (Débora François) é uma jovem de 18 anos, que acabou de dar à luz a um menino. Bruno (Jérémie Renier), o pai, com 20 anos de idade vive de pequenos roubos cometidos por ele e seus comparsas adolescentes.

Responsabilidade, maturidade e confiança são colocadas em questão. Quando estamos realmente maduros? Em que momento somos responsáveis pelas pessoas que nos cercam, ou até mesmo por nós próprios? “L’Enfant”, surpreendente vencedor da Palma de Ouro em Cannes do ano de 2005, retrata uma juventude desinteressada e insensível. Não há sonhos, projetos, laços...

O filme trata da chegada de uma criança e a maneira tão diferente que este fato é encarado pelo casal. O significado de um filho não é o mesmo para os dois. Os atos de Bruno em relação ao filho colocarão o casal diante de sérios dilemas sobre suas existências, sobre a relação que os une e aquilo que os faz seguir a diante. A criança de fato não é o bebê, mas Bruno.

Trailer:

Site Oficial: www.sonyclassics.com/thechild

8 Femmes. Dir. François Ozon - 2002

2006-07-29T18:05:00.000-03:00

8 mulheres, um assassinato, uma delas é a assassina. Mistério, beleza, paixão, perigo… Este é mais um daqueles filmes de Francois Ozon. Ele é muito bom em colocar pessoas em espaços pequenos vivendo suas transformações, suas descobertas, seus conflitos.

A narrativa se desenrola a partir do assassinato de um homem, o patriarca da família. 8 mulheres são consideradas suspeitas, sendo que uma delas, com certeza, é a autora do crime. Não há como chamar a polícia, pois os fios do telefone foram cortados, e algo fez o mesmo com os fios do carro, para impedir que partissem.. Cada uma delas tem razões suficientes para ter cometido o crime e a conclusão do caso só cabe à elas. Elas se vêem forçadas a se confrontar, com muitos ressentimentos e verdades vindo à tona enquanto tentam elucidar o que está acontecendo.

O elenco conta com o talento de Isabelle Huppert (Augustine), que mostra, assim como em “A professora de piano”, sua habilidade com a música. Ludivine Sagnier (Catherine), já conhecida dos filmes “Swimming pool” e “Gotas d’agua em pedras escaldantes”, do mesmo diretor, mostra novamente seu charme, embora esteja um pouco mais “inocentemente infantil” desta vez.

O filme é muito engraçado, Ozon ousou fazer, ao que parece, uma paródia dos filmes de suspense Wolliwodianos. O que não pude deixar de fazer foi colocar as melhores cenas do filme aqui. Reparem o talento musical dessas mulheres:

Emmanuelle Béart

Isabelle Huppert

Ludivine Sagnier - Papa T'es Plus Dans Le Coup

Catherine Deneuve

Fanny Ardant

Virginie Ledoyen

Amnésia. Dir. Christopher Nolan - 2000

2006-07-26T11:16:00.000-03:00

Uma narrativa em que você nunca sabe onde é o começo, muito menos aonde dará o fim. O problema é indissolúvel, a linha do tempo, a constituição dos fatos, são os maiores inimigos! A ausência da lembrança do presente, ou melhor, um presente nulo, sem rastros, torna cego e incerto o futuro, e a única coisa a que se pode apegar é um passado que não se sabe bem há quanto tempo já se passou...

Leonard Shelby (Guy Pearce), após uma briga com o assassino de sua esposa, bate a cabeça e é vitimado com uma doença incurável. A perda da memória recente. Tudo o que no presente acontece é instantaneamente esquecido. A história de sua vida já tem um ponto final, é a briga, e sua última visão é o corpo de sua mulher.

Seu objetivo é vingar a morte da esposa e para isso se vale de todo artifício para não se perder em sua investigação. Leonard Shelby, faz das fotos instantâneas de todas as pessoas que conhece, uma espécie de memória artificial. Seu corpo é repleto de tatuagens que dizem cada um de seus passos para cumprir seu objetivo. A história em si não é nada lá grande coisa, é repleta de ação, brigas, fugas e tiros. Mas o que realmente chama a atenção é a originalidade do roteiro. Não é por acaso que concorreu ao Oscar de melhor roteiro em 2000. O diretor Christopher Nolan foi genial! Os fatos são completamente fragmentados, desconexos e sempre faltam elementos que fazem, tanto o personagem, como quem assiste, ter a completa experiência espaço x tempo. Tudo está resumido ao “aqui e o agora” (hic et nunc). É como se a cada instante a vida fosse invadida por um novo renascer. O sujeito e o mundo que o circunda não é um o tempo todo, afinal o tempo não existe, não há cronologia, mas um diferente a cada instante. Não há em quem confiar, pois você nunca tem certeza se conhece efetivamente as pessoas que se aproximam de você. Não há aonde ir, pois você nunca sabe se já esteve lá. Não há o que fazer, pois você nunca sabe se já fez... essa é a grande sacada do filme, Leonard pode se vingar matando o assassino de sua esposa, mas ele nunca se lembrará disso e irá se lançar a cada momento a uma caça infinita...

Leonard Shelby: I have to believe in a world outside my own mind. I have to believe that my actions still have meaning, even if I can't remember them. I have to believe that when my eyes are closed, the world's still there. Do I believe the world's still there? Is it still out there?... Yeah. We all need mirrors to remind ourselves who we are. I'm no different.

Dizem que o tempo cura as feridas. É, parece que é verdade. A última lembrança que tem Leonard é a perda de sua mulher. É sempre como se fosse “ontem”. Leonard Shelby não pode saber quanto tempo já se passou. Sua mulher sempre morre no dia anterior e isso torna sua dor insuportável...

Leonard Shelby: I don't even know how long she's been gone. It's like I've woken up in bed and she's not here... because she's gone to the bathroom or something. But somehow, I know she's never gonna come back to bed. If I could just... reach over and touch... her side of the bed, I would know that it was cold, but I can't. I know I can't have her back... but I don't want to wake up in the morning, thinking she's still here. I lie here not knowing... how long I've been alone. So how... how can I heal? How am I supposed to heal if I can't... feel time?

Vale apena entrar no site official do filme e tentar desvendar o mistério: http://www.otnemem.com

Cenas do filme ao som de Link Park, "In the end":

Assista o Trailer em: Preview MEMENTO at www.videodetective.com

Les Poupées Russes. Dir. Cédric Klapisch. 2006

2006-07-13T23:36:00.000-03:00

Porque o nome “Bonecas russas”? Antes de ver o filme, imaginei que fosse esse título porque as atrizes são lindas... Mas é muito mais do que apenas isso. Você sabe o que é uma boneca russa? É um brinquedo que faz parte do folclore russo. Seu nome original é матрёшка [matrioska]. Tal brinquedo é constituído por uma série de bonecas, feitas de diversos materiais, ainda que o mais freqüente seja a madeira, que são colocadas umas dentro das outras, da maior (exterior) até à menor (a única que não é oca, a única que é a boneca verdadeira.) Bom, agora ficou fácil saber porque o filme tem esse nome. Se ainda não consegui te ajudar a entender, Xavier (Romain Duris), dá a dica:

“If I think about all the girls I've known or slept with or just desired, they're like a bunch of Russian dolls. We spend our lives playing the game dying to know who'll be the last, the teeny-tiny one hidden inside all the others. You can't just get to her right away. You have to follow the progression. You have to open them one by one wondering, "Is she the last one?"

“Bonecas russas” é a continuação do filme “Albergue espanhol”, do diretor francês Cédric Klapisch. A história consiste em Jovens estudantes europeus que se conhecem num albergue, agora na fase adulta [diga-se de passagem que há pouca diferença de maturidade], se reencontram para o casamento de um deles. Xavier é o protagonista. Escritor de telenovelas, tem como trabalho fabricar sonhos para a audiência televisiva. Não é sem motivo que entra em crise. Não consegue, pelas contradições entre os sonhos e a realidade, se reconhecer no seu trabalho; chega, forçosamente, a se questionar sobre o que é o amor. Questiona-se como é amar de verdade. A questão é que Xavier escreve sobre o amor, sobre uma harmonia entre duas pessoas, mas não é o que encontra na vida real.

Dividido entre Wendy (Kelly Reilly), a amiga britânica, e uma modelo, Xavier conta com a ajuda de Isabelle (Cécile De France), sua amiga lésbica, para encontrar o verdadeiro amor. É uma história muito engraçada, e também, repleta de contradições. Xavier procura Wendy em Londres para ajudá-lo na redação de um roteiro de uma telenovela, e na busca de uma fórmula perfeita de um romance de sucesso para a TV, eles se envolvem e Wendy se apaixona. No entanto, Xavier, que fazia “bicos” como jornalista, é chamado para redigir a biografia de uma jovem modelo. É nesse momento que ele se depara com todos os paradigmas de perfeição feminina. A “mulher de simetrias perfeitas”. Ele vê por detrás do poder sedutor da jovem uma fragilidade de espírito que o impressiona. A garota é linda e ponto. Só isso!

A graça do filme está nas situações inusitadas que podemos criar sem perceber. O sonho, a fantasia, é algo do qual não se pode viver sem. Xavier é romântico, todavia não é um alienado, ele apenas procura a “última boneca”, aquela que está dentro de todas as outras, como uma criança que se diverte com a matrioska.

Nesse filme ouvi a coisa mais bonita que uma mulher podeira dizer a um homem. Quando Xavier ia partir de trem para entrevistar a modelo, wendy disse para ele na despedida:

Wendy:I know you're not always perfect. I know you have tons of problems, defects, imperfections... but who doesn't? It's just that I prefer your problems. I'm in love with your imperfections. Your imperfections are just great! [... ] I know most girls they get weak on their knees for what's beautiful, you know, that's all they see, that's all they want. But I'm not like that. I don't just see what's beautiful. I fall for the other stuff. I love what's not perfect. It's just how I am.

Mas Xavier entrou no trem... não dá para entender! [...] Talvez pensando no caso do filme se chamar "Bonecas Russas", agente nunca sabe qual será a última... Nunca sabe...

Confira:

Melhor cena do filme, em homenagem ao meu amigo Vitor Bustamante, aquele que me acompanhou ao cinema e disse ser esse o melhor filme que viu no último mês, haja visto que ele vê sempre numerosos filmes por mês. [Atenção, o filme é francês, mas a melhor cena só achei dublada para o espanhol :( ]:

É... talvez a rua de simetrias perfeitas seja mesmo muito sem graça...

Momento insano-musical-incontrolado.

2006-07-08T14:48:00.000-03:00

Uma linda tarde de outono. Uma mesa de truco. Uma canção ao fundo da sala. Não pude me segurar e desandei a cantá-la.

You are so beautiful, yes

You are to me

You are so beautiful

You are to me

Can't you see? Can't you see?

You are everything I hoped for

And you are everything I need

And you are so beautiful to me

You are so wonderful

So wonderful to me

You are so wonderful, baby

Can't you see, can't you see, baby

You're everything I hoped for and

You're everything, yeah everything

God knows you're everything to me

You are so wonderful

You are so wonderful

So beautiful, so beautiful

You are so beautful

To me

Não fomos campeões...

2006-07-04T14:14:00.000-03:00

... mas, com toda certeza, isso, definitivamente, não foi, não é, e, não será o mais importante...

Sous le Sable - Dir. François Ozon

2006-05-17T09:19:00.000-03:00

Aparentemente um casal normal. Jean Drillon (Bruno Cremer) e sua esposa Marie Drillon (Charlotte Rampling), em férias, vão ao litoral, uma região costeira de Landes. Enquanto vê sua esposa tomar sol na areia, Jean diz querer entrar no mar e nunca mais volta.

O filme trata do enigma do desaparecimento de Jean frente a negação do acontecimento por Marie. De forma extremamente natural, Marie ainda imagina conviver, dia pós dia, com Jean. Marie ainda o sente caminhar de um cômodo a outro do apartamento; ainda o sente deitado ao seu lado na cama antes de dormir; Marie ainda sente Jean lhe tocar e conversar; ainda o vê tomar café nas manhãs.

Conforme o tempo passa, a presença de Jean vai tornando-se ofuscada pelas coisas que permanecem. A imagem de seu marido vai ficando cada vez mais distante e com menos brilho de que a presença das pessoas que continuam ao seu redor. Quando Marie se entrega aos braços de um outro homem, ela não encontra mais a imagem de Jean em seu apartamento. Ela simplesmente não o sente mais como antes.

Ao começar aceitar o falecimento de seu esposo e receber a notícia de um corpo encontrado no mar, Marie visita sua sogra e comenta sobre um possível suicídio de Jean. Quando comparece à polícia para o reconhecimento do cadáver, Marie afirma não ser aquele o corpo de seu esposo.

À beira da praia, Marie olha o mar, no mesmo local onde, meses antes, tomava sol. Ao deslumbrar de um espectro na areia, Marie, inutilmente, corre em sua direção na esperança de um encontro.

Nessa bela obra de François Ozon podemos perceber o micro-universo que é a subjetividade. A realidade do mundo de Marie é toda constituída por ela e nela mesma, usando como matéria-prima sua ignorância e sua paixão, ou melhor, sua ignorância apenas, porque sua paixão é fruto da sua ignorância.

Dogville - Dir. Lars Von Trier

2006-05-08T10:34:00.000-03:00

Lars Von Trier, ao meu ver, lançou um novo paradigma de cinema. O importante não é o lugar, ou melhor, a realidade seca e pontual, mas as pessoas desse lugar.

Dogville é um lugar que está em toda parte, em todo canto. Não. Podemos pensar diferente. Todo mundo está em Dogville. Todos fazem Dogville tornar-se realidade.

A moral é o objeto de ostentação de todos, mas possui a peculiar natureza de não estar em parte alguma, mas existe apenas como mera aparência. O que existe não é a moral, mas a aparência de moral.

Crash - Dir. Paul Haggis

2006-05-05T09:43:00.000-03:00

Um filme sem protagonistas. Sem heróis e sem vilões. Fica difícil entender porque esse filme foi premiado com o Oscar sendo tão diferente dos antigos paradigmas Holliwodianos, aliás, nem são tão antigos assim.

Crash, dirigido por Paul Haggis, reflete cristalinamente o medo simbólico pós 11/09/2001 em que a sociedade, particularmente norte americana, e, podemos dizer, numa forma geral, do mundo, se imergiu. O medo e o desespero são os elos de ligação e substrato das relações entre as pessoas, a trama mostra uma sociedade que vive um delírio. Um delírio que cega, um delírio que simboliza o diferente como um inimigo que deve ser destruído, eliminado por oferecer risco. Cada qual é um risco ao outro. Quando digo “delírio” quero usar uma palavra que se contrapõe à “razão”. Para Hobbes, pensador político inglês do século XVII, o homem no “estado de natureza” é “o lobo do homem”. A instituição do Estado serve para, digamos assim, racionalizar as relações e oferecer segurança à todos. Mas numa sociedade que vive um delírio o “homem volta a ser o lobo do homem” mas agora, de uma forma institucionalizada, com apelo à lei.

La pianiste - 2001 - França.

2006-04-28T09:00:00.000-03:00

Erika Kahut (Isabelle Huppert) é uma respeitada professora de piano que esconde por trás dessa nobre arte os mais ávidos desejos eróticos. Dirigido por Michael Haneke, “La pianiste” é uma belíssima obra onde a arte, fruto austero da faculdade racional, se vê em disputa de fronteira com o desejo e o instinto.

Até que ponto pode uma pessoa esconder, ou mascarar seus desejos reprimidos? Até que ponto pode uma pessoa esconder dentro de si suas mais secretas vontades? Érika mora com a mãe, uma espécie de “super-ego freudiano ambulante” que impõe horários, vestiário e controla as finanças de sua filha. Érika conhece Walter Klemmer (Benoît Magimel), um jovem que se apaixona inocentemente pela imagem de “uma recatada professora de piano”. Como seu aluno, Walter se declara, mas Érika o repreende.

Abordada pelo jovem dentro de um banheiro durante uma apresentação num teatro, Érika, pela primeira vez, decepciona o jovem aprendiz, que aspirado por ideais românticos, vê Érika se rebaixando à situações grotescas de satisfação sexual.

De fato, Walter quando se vê apaixonado por sua professora de piano, Érika, idealiza uma mulher que não existe. A Érika que se revela a Walter o deixa cada vez mais decepcionado, vendo e sentindo a decadência da "imagem de mulher" que havia antes idealizado. Se Walter se apaixonou por uma mulher, ele se apaixonou por uma sombra, que quando posta à luz, não correspondia ao objeto de sua paixão.

Confira o Trailler:

Crianças invisíveis - 2005

2006-04-24T11:08:00.000-03:00

As crianças acham tudo em nada,

os homens não acham nada em tudo
Leopardi , Giacomo

Emocionante! Os sete curtas que compõe o documentário são de altíssima qualidade. Podemos notar diferentes tendências cinematográficas de acordo com as condições regionais, econômicas e de formação de cada diretor.

Acho que emoções como as que senti eu nunca havia experimentado igual. Enquanto via o curta de Spike Lee, me percebi de boca aberta e as pupilas paralisadas, e por isso me espantei muito mais comigo e minhas reações frente ao drama, é impossível não se sensibilizar com o fato retratado de uma criança com o vírus da AIDS. Quando achava que o melhor já havia passado, John Woo me surpreende com “Song song and little cat” (o curta de John Woo é marcante), do meu ponto de vista John Woo superou a todos e a si mesmo, embora fosse um curta e por isso tinha um tempo limitado, a história poderia dar origem a um filme. (a última vez que chorei rios de lágrimas num cinema foi quando eu tinha sete anos e via o Rei Leão, aliás chorar no cinema é bom, é sinal de que somos “animais”, melhor do que isso, “bons animais”). Faltam palavras para descrever o peso valorativo desse curta, é chocante... É indescritível... A pergunta que eu me fazia o tempo todo era se histórias como as que John Woo retratou eram possíveis, se elas aconteciam na realidade, pois são tão tristes e com personagens tão divinos (acho ser esse o adjetivo ideal para a “pequena gatinha”) que parecem ser objetos exclusivos de ficção. O curta de Woo será, definitivamente, um marco nas minhas emoções.

A pergunta que me fazia, se essas coisas são reais, serve como uma boa explicação para o título do documento. Histórias assim como “Ciro”, “Jonathan”, "Bilu e João”, “Song song e little cat” e todas as outras, mais do que podemos imaginar, acontecem na realidade, e se essas crianças são “invisíveis” é porque, simplesmente, elas são tão inocentes e nós somos tão culpados.

Veja um curta da mostra:

Efeito Borboleta. EUA / 2004

2006-04-20T20:09:00.000-03:00

"Dê-nos os bens, quer os peçamos ou não,

e afasta de nós os males mesmo que os peçamos.

Esta oração parece bela e segura.

Se nela encontra algo a censurar, não o escondas."

(Platão)
O que somos nós agora? Quais são as coisas que, agora, nos rodeiam? Por que elas são assim e não de outro modo? O filme "Efeito borboleta" dirigido por Eric Bress e J. Mackye Gruber nos ajudam a refletir sobre essas questões.

Evan ( Ashton Kutcher) é um jovem que herda uma estranha doença de seu pai; sua memória é apagada em momentos de grande estresse psíquico. Esse fato lhe causa muito constragimento pois ele tem importantes momentos de sua vida sem rastros nas lembranças.

Orientado por um psiquiatra para cotidianamente redigir um diário, Evan faz anotações de tudo aquilo que tem lembranças durante sua juventude. Quando chega à faculdade, Evan, por "ordem do acaso", pega seus antigos diários e começa à folheá-los. Num momento em que ele lê uma passagem que o remete à um momento de sua vida que está no seu inconsciente, Evan volta mentalmente àquele tempo, àquele período, e ganha de volta sua autonomia. Isso significa que Evan pode tomar uma decisão diferente da qual tomou no passado. Quando volta ao tempo atual, Evan percebe que uma pequena mudança no passado transforma radicalmente sua vida presente. Descontente com as mudanças ocorridas, o protagonista volta outras vezes às zonas sombrias de seu inconsciente, mas as conseqüências são cada vez mais desagradáveis, seja com ele próprio, seja para com as pessoas que ele ama.

Já dizia Leibniz que o “presente está prenhe do futuro”. Todas as nossas decisões, ações, significações e omissões geram incontestavelmente nosso futuro, ou digamos, nosso presente de amanhã. Se agora “eu” sou de tal modo e tenho tais coisas ao meu redor, isso se deve a uma cadeia de causas que tiveram “eu” como origem. Foi livremente que “eu” constitui o “eu”de hoje, como é livremente que “eu” constituirei o “eu” de amanhã.

Assita o Trailler:

A dama de Honra. França/ Alemanha/ Itália, 2004

2006-04-19T12:23:00.000-03:00

Nossos atos são nossos anjos bons e maus,

sombras fatais que caminham ao nosso lado.

(Beaumont e Fletcher)

Philippe (Benoît Magimel) é um jovem francês de 25 anos que mora com a mãe e as irmãs mais novas em um bairro tranqüilo. Ele acaba de arrumar um emprego no ramo imobiliário. No casamento de uma das irmãs, a dama de honra, Senta (Laura Smet), chama sua atenção à primeira vez. “Quando te vi, sabia que você era meu”. São essas as palavras de Senta a Philippe que da lucidez de um espírito perspicaz migra maquinalmente à penumbra de uma paixão doentia.

Dirigido por Claude Chabrol, o longa mostra a história de uma mulher que invadida por um narcisismo nada convencional seduz Philippe para se reafirmar em si. Os mistérios que rondam a vida de Senta, que tem como nome verdadeiro Stephanie, não diminuem o interesse de Philippe por ela. Esses mistérios refletem um desvio de conduta de Senta, revelando no final como negação de um passado irrefletido, como se cada nome que ela adotasse, de tempos em tempos, fosse uma pessoa diferente que vivesse em sua pele, com uma história distinta da sua.

O pedido de uma prova de amor por Senta assusta Philippe que se aproveita do acaso para dizer ter provado seu amor, mas Senta, para provar seu amor à Philippe mata um inconveniente conhecido da família do rapaz. Consumado o crime Philippe exita de se reencontrar com Senta, mas invadido por um idealismo romântico diz deitado na cama com Senta que jamais a abandonará ao entrar da polícia em cena.

Soneto I - Agora

2006-04-07T21:04:00.000-03:00

O que é o agora?
O passado que pasou
O futuro que há de vir
Um fluxo inseparável
Desespero inconsolado
Desamparo amedrontado

Ah, se soubesse porque vim
Se soubesse o que sou
Porque estou aqui
Aonde ei de ir
Caminho desencontrado
Encontro descaminhado

O motivo para sorrir
É o mesmo para chorar
Aquele já se passou
E este insiste em ficar

Compús este soneto na beira da lagoa do Parque do Iberapuera quando não me restava nada mais do que vãs reflexões da contingência "demoníaca", digamos assim, do mundo. A contingência realmente me assusta, pois me sinto tão impotente diante dela.

Bolhas de sabão...

2006-02-28T13:43:00.000-03:00

Jean Batiste Chardin
Bolhas de sabão - 1734

Muitas coisas na nossa vida são como bolhas de sabão, temos tanto carinho em fazê-las, gozamos quando elas se soltam livres no ar, mas por sua própria e frágil natureza, elas padecem, voltam ao nada que as gerou.

Ou isto ou aquilo

2006-02-23T16:11:00.000-03:00

Acho que este poema é uma boa ilustração ao post anterior.

Ou se tem chuva e não se tem sol
ou se tem sol e não se tem chuva!

Ou se calça a luva e não se põe o anel,
ou se põe o anel e não se calça a luva!

Quem sobe nos ares não fica no chão,
quem fica no chão não sobe nos ares.

É uma grande pena que não se possa
estar ao mesmo tempo em dois lugares!

Ou guardo o dinheiro e não compro o doce,
ou compro o doce e gasto o dinheiro.

Ou isto ou aquilo: ou isto ou aquilo . . .
e vivo escolhendo o dia inteiro!

Não sei se brinco, não sei se estudo,
se saio correndo ou fico tranqüilo.

Mas não consegui entender ainda
qual é melhor: se é isto ou aquilo.

Cecilia Meireles

Representações subjetivas

2006-02-23T12:47:00.000-03:00

Que imagem temos de nós mesmos? Será que não vivemos representando tal qual atores num teatro? Quem somos nós atrás de nossa aparência? Essas questões me vem incomodando já faz algum tempo. Será que somos simplesmente aqueles que representamos ser? E se escolhêssemos ser outra imagem, outra representação? O problema parece se complicar. A contingência da representação que fazemos de nós mesmos nos remete á uma liberdade irrestrita, quero dizer, a imagem que temos de nós se vincula exclusivamente á nossa liberdade.

Não quero parecer com essas palavras um idealista. Não estou dizendo que escolhemos livremente nascer em tal lugar, ser homem ou mulher, negro ou índio, essas coisas são o dado bruto, a manifestação da contingência dos fatos, a facticidade. Em verdade, não pode haver liberdade sem a facticidade. É ela que nos dá a escolha. Entendo liberdade como a autonomia do sujeito em fazer escolhas, exercer a liberdade é escolher entre alternativas. Não faz sentido dizer que não somos livres para voar como os pássaros, exatamente porque para o homem não existe essa alternativa. Liberdade envolve escolha, escolha envolve alternativas que só se manifestam na facticidade. Para ser livre preciso estar situado num ponto restrito da história, numa classe social, num círculo de pessoas, pertencer á uma etnia e assim por diante. Se digo que nasci homem, em tal país, em determinada família, não está ao meu alcance mudar isso, nunca esteve, mas é minha liberdade que me faz representar tal situação como eu a represento, dando seu valor e atribuindo seu sentido. O dado em-si não possui sentido algum, o sentido advém de uma escolha livre, uma atribuição subjetiva de significado. Por exemplo, um homem desempregado pode representar tal situação de numerosas maneiras. Uma delas é resignando-se, aceitando como um cristão a sua “cruz” e vivendo no sacrifício em nome da salvação, ou, revoltando-se contra a sociedade e roubando para alimentar seus filhos. As duas opções são possíveis, além de muitas outras, mas somente a liberdade de cada sujeito que o permitiu representar a dar significado a sua situação ao seu modo.

Posso ser objetado dizendo-se que a religiosidade do cristão ou a revolta do outro é motivada por uma influencia familiar, social, emocional, mas digo que em todos os momentos o sujeito representa sua situação livremente, e isso remete a uma escala infinita, digamos assim, de escolhas livres. O ser humano não é influenciado por nenhuma série determinista, nem por si mesmo. É a pura contingência de sua liberdade que o constitui e o encaminha à busca de si.

Antonio Felipe Silva

Verdade

2006-02-21T14:38:00.000-03:00

Toda verdade ultrapassa três etapas: Primeiro ela é ridicularizada, em seguida, ela sofre uma forte oposição, depois é considerada como tendo sido em todos os tempos uma evidência.

Arthur Shopenhauer

Onde foi que eu errei?

2006-02-21T13:39:00.000-03:00

Quando nos perguntamos “onde foi que eu errei?”, dificilmente achamos a resposta. Geralmente, e digo com segurança, os grandes erros estão sempre no início de tudo, nas bases daquilo que empreendemos. O que fazer então? É certo que um pequeno erro no princípio gera um erro inconcertável no final. Aí temos que mudar enquanto há tempo. Mudar o rumo. Destruir tudo e começar do zero.

Para mim chegou o momento de começar tudo novamente a partir dos alicerces. Derrubar todas as coisas que até agora construí que só me causam prejuízos (infelizmente não posso fazer isso com tudo... teria que nascer de novo). Acho que terei que jogar muitos sonhos na lata do lixo. Pode parecer triste, mas é o correto a se fazer quando o objeto de seus sonhos é uma quimera, uma contradição... É um desafio. O comodismo e o cotidiano, cada qual ao seu modo, me arrastam lentamente a reassumir a antiga postura. Eles me induzem a permanecer no desprazer e na ilusão. Paralisam minha ação e me fazem imaginar ser aquele que não cabe mais a mim.

É sempre muito difícil o começo, principalmente quando se trata de um segundo começo, um recomeço. Olho em minha volta e só vejo escombros. Esses escombros me envolvem e preciso me levantar do chão e ajuntar os pedaços dos meus sonhos, projetos e desejos para limpar terreno e recomeçar.

Ainda não respondi a pergunta “onde foi que eu errei?”. Acho que não posso responder, efetivamente não sei, principalmente porque só tive as melhores intenções... Mas o fato de não ter dado certo evidencia que eu errei em algum lugar, mas não sei onde. Agora, preciso levantar do chão sozinho e tentar recomeçar tudo...

Antonio Felipe Silva